de shakespeare Rey Lear ha desafiado a los compositores que rechazaron invitaciones para convertir la más sombría de las tragedias en ópera: en algún momento se les acercó a Berlioz, Britten y Verdi para que hicieran una versión operística, pero todos rechazaron la oportunidad. Aribert Reimann no tuvo tales dudas, sin embargo, interpretando una composición, interpretada por primera vez en 1978, llena de rabia y furia. Con libreto en alemán de Claus H. Henneberg, es una obra abrasiva y directa: directa, agresiva y brutal. Puede parecer una experiencia implacable para una audiencia, sumergida en la intensidad de un drama familiar con consecuencias crueles donde la música parece tener la fuerza de la escena de la tormenta sobre gran parte de la acción posterior. La obra de Shakespeare en cinco actos, comprimida en una intensa ópera en dos actos, se centra implacablemente en el descenso de Lear a la locura sin apenas respiro ni humor.
La nueva lectura de Calixto Bieito, una coproducción entre el Teatro Real y la Ópera de París, aporta un enfoque restringido a la pieza. lear es, en cierto nivel, una ópera que se adapta bien a la estética de Calixto Bieito: una que ha proporcionado lecturas sombrías y actuales de obras canónicas que han entusiasmado y frustrado al público. Aquí, recurriendo a un clásico moderno, los excesos visuales y la enérgica coreografía que a menudo marcan sus puestas en escena son reemplazados por un registro interpretativo más austero, algo que permite que resuene la agresión de la música pesada de percusión. El decorado de Rebecca Ringst ofrece una habitación sombría y vacía en la inauguración de la ópera, donde el imponente Lear de Bo Skovhus convoca a sus tres hijas para declararle su amor a cambio de una parte de su reino. El decorado recuerda al de la película de Brook de 1971 sobre la obra de Shakespeare por su simplicidad sin adornos. Una estructura alta de vigas de madera unidas crea una sensación de encarcelamiento, particularmente cuando las vigas se mueven para sugerir una prisión metafórica que encarcela a Lear en la escena de la tormenta. Hay algo de existencialismo de posguerra en la decoración, algo que recuerda la interpretación de Jan Kott de Shakespeare como nuestro contemporáneo. Sugiere un páramo desolado, un paisaje vacío donde el Lear de Skovhus es cortejado. El vestuario de Ingo Krügler tiene un aire contemporáneo y sugiere un corte que se remonta a los años cincuenta.
Este monarca tiene algo de gánster descarado, lanzando partes de una barra de pan a sus avariciosas hijas mayores, que devoran con entusiasmo mientras se tragan partes de su reino. Esta es una familia que opera a través de extremos. Goneril de Ángeles Blancas se mantiene firme e inamovible con su atrevido traje verde. Regan, interpretada por Erika Sunnegårdh, cae de rodillas y se arrastra desesperada hacia su padre mientras le profesa su devoción eterna. Cordelia, de Susanne Elmark, está ligeramente a un lado, escuchando y observando con una sensación de inminente horror la farsa que se está desmoronando. Cuando ella no le da a su padre la respuesta que espera, él se sienta brutalmente sobre ella y la arrastra por el suelo con frustración. Es un gesto de marcada agresión que recuerda la humillación de Lear a Cordelia en la producción anterior de Bieito de 2004 de la tragedia de Shakespeare de 1605. Hace veinte años, Bieito presentó a la familia como una especie de vestigio de la Guerra Fría. Esta familia parece operar en un terreno más gángster: la violencia como respuesta a todas y cada una de las disputas. Cuando Lear les arroja a Goneril y Regan la porción de pan que debía ser de Cordelia, se abalanzan sobre ella como perros hambrientos. Esta Cordelia se acerca a él con preocupación, pero él la rechaza agresivamente: no hay lugar para la ternura en su mundo absolutista.
El tonto de Ernst Alisch es un papel hablado, una figura a modo de coro que observa cómo se desarrolla la acción con una sensación de cansancio. deja vu. Con el torso desnudo, pantalones formales negros y un elegante sombrero de fieltro, parece haber salido de Esperando a Godot. A veces se mueve como si se estuviera preparando para subir al escenario de un espectáculo de cabaret en Weimar. El rígido Gloucester de Lauri Vasar mira hacia adelante sin darse cuenta de lo que Edmund de Andreas Conrad está tramando y planeando a su alrededor. Su mirada fija sugiere la de un hombre incapaz de valorar lo que le rodea. Se trata de un reparto impresionante que ejecuta sus papeles con habilidad, dotando a cada personaje de una personalidad distinta tanto a nivel gestual como vocal. La Regan de Sunnegårdh es una figura constantemente antagónica: ataca a Goneril y a cualquiera que se interponga en su camino. El Goneril de Blancas es más calculador, más amenazador. El Kent de Kor-Jan Dusseljee, disfrazado tras su destierro con un chándal desgastado, es en gran medida impotente, incapaz de detener el desarrollo de la tragedia: es una concepción brillante del papel. Lear se acerca a sus hijas mayores cuando visita sus casas, pero Goneril simplemente lo rechaza con disgusto: el imponente monarca reducido a un juguete arrojado de hermana en hermana.
Las vigas de madera que contuvieron la acción en la primera sección de la acción, se mueven y deslizan durante la escena de la tormenta. Se ciernen amenazadoramente sobre Lear y su séquito mientras el grupo errante busca protección de los elementos. La impresión es la de un imponente bosque de densos árboles que ofrecen pocas posibilidades de escapar. De hecho, sobresalen como si señalaran el peligro inminente para Lear. Edgar, de Andrew Watts, es una figura nerviosa, vestida con ropa interior sucia, cuyos juegos con Lear en la tormenta bajo una lona sucia evocan una especie de doble acto disfuncional de music hall. Conduce a Lear hacia atrás, como crustáceos en busca de seguridad en una playa llena de depredadores.
En el segundo acto, la acción se acelera hasta su terrible desenlace. Goneril y Regan codician al intrigante Edmund de Andreas Conrad: él ha heredado algo de la postura incómoda de su padre, pero sin ningún sentido del deber. Goneril carece del físico de Regan y sus declaraciones a Edmund cuentan con una rigidez que complementa su comportamiento. Regan le arranca los ojos a Gloucester con alegría demoníaca, riendo como un maníaco mientras lo hace. Cordelia de Susanne Elmark aporta una energía más tranquila a la sala a su regreso de Francia, una nueva compasión que se refleja en la escritura para cuerdas, una línea lírica que atenúa la energía febril de las escenas anteriores de abuso. Lear, que saltó, se balanceó, tiró y empujó, se acuesta exhausto para que Cordelia, que regresa, lo encuentre. Su reunión contiene la música más hermosa de la ópera: un pasaje de cuerdas tutti que toca una melodía sostenida y serpenteante al unísono es un raro momento de belleza conmovedora y perdón empático en esta partitura, que de otro modo sería implacablemente violenta, impulsada por la percusión. El estrangulamiento de Cordelia por parte de Regan (aquí un acto en el escenario) es inflexible en su brutalidad. Goneril, tras administrar el veneno que provoca la muerte violenta de Regan, se estrangula con su propio pañuelo. El final llega sin palabras de consuelo, ni indicios del nuevo mundo que se avecina liderado por Albany y Edgar. La muerte de Lear cierra la ópera: un cuerpo en el escenario, descartado y solo. Sin duelo, sin esperanza. Sólo vacío.
Asher Fisch preside la partitura con una precisión y vitalidad que enfatiza la violencia musical de la ópera, puntuada por momentos de conmovedor lirismo. En el papel principal, Bo Scovhus, en el escenario durante la mayor parte de los 150 minutos de la ópera, canta con sorprendente poder y patetismo en su descenso de rey arrogante a anciano demente. Lo apoyan el canto fino e incisivo, particularmente del clínico Edmund de Andreas Conrad, el elegante Edgar de Andrew Watt y el despiadado Cornwall de Michael Colvin. La iluminación de Franck Evin permite intensos focos de acción y, en ocasiones, una sensación descarada de vigilancia brutal de la que ningún personaje puede escapar. Las proyecciones de vídeo de Sarah Derendinger en las escenas finales de la producción sugieren una tranquilidad oceánica que contrasta fuertemente con la música furiosa. La fuerza de la producción radica en el despliegue de los diferentes elementos de la actuación con un efecto persuasivo al narrar la caída de Lear. Es una experiencia aleccionadora que se distingue por una brillante ejecución teatral y musical. Bieito rinde homenaje a Reimann lear una obra inesperadamente oportuna donde la redención no equivale a consuelo y el abuso no siempre queda impune. En un mundo incierto de platos cambiantes, parece inquietantemente contemporáneo.
lear representada en el Teatro Real Madrid del 26 de enero al 7 de febrero de 2024.
Esta publicación fue escrita por Maria Delgado.
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La versión completa del artículo Rabia y furia: Calixto Bieito pone en escena “Lear” de Aribert Reimann en el Teatro Real Madrid está disponible en The Theatre Times.
