El New York City Fringe de 2024 ha llegado a su fin, dieciocho noches de espectáculos divertidos, mordaces, inquisitivos, de alto calibre y de búsqueda (en ocasiones, todo a la vez). Tuve el privilegio de asistir a ocho de estos espectáculos; He estado ansioso por compartir mis pensamientos.
El club de las protagonistas: Creada por la actriz y escritora Sarah Hogewood e inspirada en entrevistas con una amplia gama de mujeres, esta comedia feminista se describe como “la Barbie La película se encuentra con SNL”. Agregue más de una pizca de oscuridad necesaria y juzgaría que esa descripción es cierta. Hogewood y los tres actores que la acompañan (Nancy Umba, Asha Devi y Katherine Winter, todos bellamente imponentes) logran crear una sátira que no se siente como un proselitismo femenino, sino que es una catarsis y un desafío disfrazados de juego. La comedia Whipsmart desarma a su audiencia; a su vez, dan golpes merecidos en sus discusiones sobre agresión sexual, acoso laboral, arquetipos dañinos y activismo performativo. Como mujer en esta industria, sentí que mi propia voz se escuchaba en medio de la cacofonía. La creación de Hogewood y la vulnerabilidad de la que nació seguirán siendo un regalo que seguirá dando, estoy seguro.
Fábulas climáticas: Debate sobre la extinción: La distopía del Torch Ensemble (que rodea a un grupo de tres en el aislamiento del desastre climático, uno que cree en la muerte humana, otro que cree en el nacimiento humano y el otro que no está seguro del equilibrio) fue mi producción favorita del festival. No exagero cuando digo que esta obra todavía perdura en mi mente. La historia, escrita por Padraig Bond, logra ese frágil equilibrio entre lo político y lo personal: la devastación del clima actúa como deuteragonista, un compañero constante en la batalla entre la moralidad, la familia y el amor que enfrentan los tres personajes. El diálogo y el monólogo se entrelazan de manera orgánica pero filosófica. A pesar de esos (muy ciertos) elogios, no es el guión lo que me queda grabado. Es la pura habilidad de este conjunto de actores. Sólo puedo describir el trabajo de Penélope Deen, Kristen Hoffman y el propio Bond como brujería. La conexión visceral de Deen, la base sobrenatural de Hoffman, el porte natural de Bond, se combinan para presentar un mundo tan convincente que parecía mágico. Mi corazón se hundió con ellos, mi mente trabajó con ellos y salí del teatro temblando de la mejor manera. Una obra maestra.
La Casa de Clitemnestra: Como amante de toda la vida de los mitos y practicante de relatos feministas, me emocionó ver surgir este título. Y, en general, no decepcionó. La adaptación de la creadora Zoe Bloomfield, contada íntegramente desde la perspectiva femenina, está maravillosamente bien escrita, la poesía de las antiguas epopeyas griegas unidas con vanidades modernas. Esta yuxtaposición da como resultado maravillosos intercambios entre dios y el ser humano, entre el ser humano y uno mismo, entre el trauma y la supervivencia. Lindsey ME Newton brilla como la antiheroína titular: su capacidad para equilibrar el mal inducido por el sufrimiento con una racionalidad desgarradora da como resultado una Clitemnestra con la que uno no puede evitar sentir empatía. De manera similar, Danica Jensen encuentra una complejidad tranquila en Elektra, una hija que iguala a la madre en una actuación convincente. ¿Mi única queja? La obra es demasiado corta para contener todo lo que quiere explorar. Sin una pausa en el acto ni un paso de tiempo marcado, la aparición repentina de Elektra y Orestes hace que esta adaptación parezca demasiado larga e inconexa; De manera algo contradictoria, creo que permitir más tiempo para ganar esas nuevas incorporaciones sería lo correcto. Con ese fin, ¡estoy emocionado de ver hacia dónde llega esta obra!
El Proyecto Polilla: La mejor manera de describir esta experiencia multimedia es, en mi opinión, la de un DJ dando una charla TED. Creada e interpretada por el compositor Peter Kiesewalter y la violinista Whitney La Grange, esta amalgama de proyección, música clásica y electrónica, rock ‘n’ roll, poesía, biología, antropología y memorias utiliza las muchas especies de la polilla para explorar por qué nosotros, como humanos, comportarnos como lo hacemos nosotros. La migración masiva y la supervivencia se reflejan en la adrenalina y la autodestrucción; la familia y el amor se encuentran con la pérdida y el recuerdo. Al entrar en esa sala de producción de color blanco puro, no estaba seguro de qué anticipar. Ciertamente no fue estar tan conmovido como yo por tal mezcla. Es inteligente, es sabio, es muy humano. Felicitaciones a Kiesewalter y La Grange y todas sus polillas.
Brokeneck Girls: El musical de la balada asesina: El primer pensamiento que se me ocurrió al entrar en el salón in media res de roto? Dios mío, ese vestuario es extraordinario. Los diseños del Lejano Oeste adyacentes al steampunk de Tiffany Rae Knight eran divinos, brindando interés atmosférico y mensajes subliminales de los personajes con facilidad, hasta el punto de que su impacto se notó de inmediato. Y así comenzó una noche de profundización en la historia cultural. La nostalgia de lo americano revela su entrelazamiento con una oscura fascinación por las mujeres asesinadas y asesinas: las Brokeneck Girls, formadas por la guitarrista y dramaturga Eve Blackwater, la violinista Kendra MacDevitt y la banjoista Jeannie Skelly, llevan a su audiencia a través de un catálogo musical de “Pretty Polly”. a “La chica de Knoxville”. En cada uno se derrama sangre. En cada uno, el carmesí empapa a la mujer; ese empapado podría ser de cualquier lado. Entre los cuentos de las cantantes, Babs (Olivia Whicheloe), Lady Arlin (Alexandria Thomas) y The Sheriff (Emily Ross) entran y salen. Ojalá se hubiera utilizado a los actores para algo más que simples transiciones: tal como estaban las cosas, sus personajes se sentían de alguna manera complicados y demasiado simplificados, obsoletos por la necesidad de la banda de tocar. Dicho esto, este musical promete. Si el libro de Blackwater puede igualar la genialidad de la música, tendrá una obra excelente entre manos.
Flossy Follies: La agenda de Yee-Haw: Revolución encontrada en alegría y celebración. Eso es lo que Queerly Femmetastic y el burlesque del Profesor M presentaron a sus audiencias. Desde la primera proclama (“¡Creo en la educación y en las tetas al mismo tiempo!”) quedó claro que este espectáculo sería una unión de aprendizaje y libertad. locurasEl elenco de artistas, cada uno, brindó una celebración sin complejos de la negritud y lo queer que se encuentran dentro de la cultura del oeste americano; en el medio, la alegre confrontación de Queerly Femmetastic entre la apropiación, el racismo y la historia oscura le dio el conocimiento que la noche necesitaba para revolucionar adecuadamente. Yo estaba facinado. No podía dejar de sonreír, gritar e interactuar con los artistas. Fue una delicia de una noche. Espero ver otra de sus actuaciones.
Solitario: La única exposición individual de Fringe de este año a la que asistí fue la del dramaturgo Seán Griffin. Solitario Son treinta minutos de reflexión y empatía. Siguiendo a un hombre puesto en régimen de aislamiento, en los momentos posteriores a que su amigo ratón no se presenta a cenar, el guión es tan maravillosamente simple como simplemente: humanización. El público nunca sabe por qué el protagonista de Griffin (Sammy, interpretado por Casimir Gregory) está en régimen de aislamiento, ni por qué está en prisión; Aprecié esa falta. Sammy, en cambio, habla de su familia y sus seres queridos, canta su música favorita para ahogar los gritos de otras células, entra en pánico y tira su ropa de cama y se disculpa con el ratón aún invisible por hacerlo. Él no es “el prisionero”. Es un hombre, un ser humano que está pasando por una experiencia increíblemente traumatizante. La adición de sonido constante por parte de Griffin (sonido verdadero, grabado en el ala de aislamiento de una prisión en Maine) añade el máximo patetismo a una historia ya de por sí desgarradora: es suficiente para volver loca a una persona, sentada entre gritos y golpes durante 30 minutos. ; Es difícil imaginar a un ser humano viviendo así durante meses. Gregory encarna bien esa lucha por la cordura y se gana el cariño de su audiencia con inmediatez. Convincente e impactante en un corto lapso de tiempo, esta obra combinaría bien con la literatura abolicionista.
Un poco menos que amable: El recuento de Gracie Rittenberg de Aldea sitúa al trágico titular en la tierra de Silicon Valley, apareciendo como Hannah, la mordaz y bisexual heredera aparente del trono tecnológico. Su madre murió ahogada en una piscina, su padre se volvió a casar con su tía Kardashian, su novia intermitente parece no poder entenderlo y su mejor amigo gay acaba de tener un encontronazo con el fantasmal. imposible. A partir de ahí, la historia se desarrolla como uno esperaría del clásico de Shakespeare, simplemente con una dinámica de género invertida y una multitud de chistes sardónicos de Silicon. Aquí es donde, lamentablemente, la adaptación fracasó para mí. La premisa de Ritenberg prometía una exploración del género y la sexualidad, de madre e hija, del trauma familiar. Este guión no añade nada a lo que ya ofrece el Hamlet original; de hecho, la supuesta bisexualidad de Hannah no se veía por ninguna parte, y todos los personajes fuera de la tríada (Hamlet, Ofelia, Horacio) se sentían insípidos y poco desarrollados. Puedo decir que el público se rió muchísimo y el diseño de sonido fue excelente. Lamentablemente, simplemente no cumplió su promesa.
Para seguir estos programas (¡y muchos más!), visite FRIGID New York.
Esta publicación fue escrita por Rhiannon Ling.
Los puntos de vista expresados aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestros puntos de vista y opiniones.
La versión completa del artículo Follies and Murder Ballads and Extinction, Oh My!: New York City Fringe 2024 está disponible en The Theatre Times.
