La 60.ª edición del evento centra la atención en el sur global y en los artistas históricamente marginados.
La 60ª edición del Bienal de Venecia Es un espectáculo brillante, audaz y transgresor.
La exposición internacional es famosa por sintetizar muchas de las principales cuestiones geopolíticas del momento, y este año no es una excepción.
El título del curador Adriano Pedrosa, “Extranjeros en todas partes”, es convenientemente maleable y reúne temas como el nacionalismo, el desplazamiento, la marginación y el colonialismo.
Algunos pabellones y exposiciones confrontan explícitamente estos temas contemporaneos. El Pabellón Holandés hizo más que simplemente reflexionar sobre el debate sobre el robo de arte colonial; Promulgó un cambio al persuadir a un museo estadounidense para que devolviera una estatua de madera al Congo mientras durara la exposición.
La instalación del pabellón de Australia es obra del artista de las Primeras Naciones Archie Moore y utiliza un cuadro genealógico lleno de lagunas para resaltar la oscura y traumática historia de los indígenas australianos.
Otros consideran estos temas de manera más conceptual, evocando la experiencia de ser un extraño o desafiar la rigidez de las fronteras.
La 60ª edición del evento también centra la atención en el sur global, históricamente de minimis en los niveles superiores del arte internacional. Pedrosa es el primer curador latinoamericano de la Bienal y su énfasis en la representación y la visibilidad es palpable.
Estos son los pabellones y exposiciones colaterales que no debes perderte durante una visita a la Bienal de Venecia 2024.
Núcleo Histórico, Pabellón Central
Hay un potente simbolismo en la transformación del normalmente blanco Pabellón Central de los Giardini (que recuerda al cubo blanco que consagra el arte occidental) en un derroche de color. El mural es obra de un colectivo de pintores de la Amazonia brasileña, MAHKU (Movimento dos Artistas Huni Kuin), que prescinde de modificaciones del arte occidental.
“Renuncia a la mimesis, a la perspectiva, a las reglas de la proporción y a la técnica canónica, para comprometerse únicamente con las fuerzas de la miração, las experiencias visionarias estimuladas por la ingestión de ayahuasca durante los rituales nixi pae”, según el grupo.
Las intrincadas y llamativas pinturas se basan en narrativas míticas e historias ancestrales entretejidas en un plano gráfico teselado que recubre los elementos arquitectónicos de la fachada de la sala de exposiciones.
En su interior encontrará el trabajo de docenas de artistas “forasteros”, muchos de los cuales nunca antes habían expuesto en una Bienal.
Núcleo Contemporáneo, Arsenale
En la otra mitad de la exposición principal en el Arsenale, el textil es la disciplina material dominante y el sur global la fuente dominante. Una vez más, esto pone en duda las formas clásicas consagradas que componen las bellas artes: pintura, escultura y dibujo.
El Núcleo Contemporáneo está lleno de bordados, fieltro, tintes y puntadas. Artistas que nunca usarían el término para describirse a sí mismos y que quizás nunca antes hayan exhibido obras en un museo presentan ideas pictóricas en telas e hilos.
Busque el gran lienzo bordado cerca del comienzo de la exposición de la Bordadora de Isla Negra. Este grupo con sede en Chile estaba formado por mujeres autodidactas que crearon textiles vívidos que representaban la vida cotidiana en su pueblo costero entre 1967 y 1980.
Cerca de allí, las obras trapunto de tela pintada y cosida de Pacita Abad, nacida en Filipinas, están inspiradas en el interés de la artista por la experiencia de los inmigrantes. “Haitianos esperando en la Bahía de Guantánamo” (1994) describe a los esperanzados detrás de los alambres de púas.
“Mézclate antes de destacar” (1995) presenta a una mujer vestida con un pareo, una gorra de béisbol de los Yankees y una camiseta de baloncesto de los Bulls que ilustra las luchas de los inmigrantes al integrarse a una nueva sociedad.
Pabellón de Australia, Jardines
Mientras caminas desde la luz del sol hacia el interior oscuro del pabellón de Australia, toma unos segundos mirar las paredes negras para enfocar el denso diagrama de tiza blanca.
Los cuatro lados están cubiertos con un cuadro genealógico que rastrea los kamilaroi, bigmbul y la ascendencia británica del artista de las Primeras Naciones Archie Moor que se remonta a 65.000 años atrás.
Si bien “Kith and Kin” rinde homenaje al linaje y la interconexión de las Primeras Naciones Australianas, al mismo tiempo expresa un pasado impregnado de trauma.
Reemplazando los nombres en docenas de cuadros hay insultos raciales, información sobre la pureza de la sangre y los huecos que representan a los asesinados o cancelados de los registros públicos.
Una mesa central está repleta de documentos relacionados con las investigaciones redactadas por los forenses sobre las muertes de indígenas australianos detenidos en prisiones estatales. Es un espacio poderoso y aleccionador, y se llevó a casa el premio de este año. Premio León de Oro a la Mejor Participación Nacional.
Pabellón de Alemania, Giardini
El pabellón alemán, que genera largas colas durante los días de vista previa para la prensa, ha sido considerado por muchos como una visita obligada. De hecho, cumple todos los requisitos de lo que los visitantes esperan de la Bienal: una actuación extravagante y desestabilizadora.
Al exhibir las obras de los artistas Michael Akstaller, Yael Bartana, Robert Lippok, Ersan Mondtag, Nicole L’Huillier y Jan St. Werner, “Thresholds” explora el concepto de límites.
Por primera vez, y durante la duración de la exposición, la instalación se extiende más allá de los confines de los Giardini a otro lugar: la isla vecina La Certosa.
La deconstrucción simbólica de la nacionalidad se ha convertido en un tema transanual a medida que el pabellón se enfrenta a su herencia y arquitectura fascistas.
Sin embargo, está por verse si los visitantes harán el viaje físico a La Certosa, particularmente porque la actuación polvorienta y conflictiva de Ersan Mondtag en el pabellón se está robando el espectáculo.
Pabellón del Líbano, Arsenale
Siguiendo el ejemplo de la exposición central de Pedrosa, el pabellón del Líbano busca derribar un mito occidental establecido desde hace mucho tiempo.
En “A Dance with Her Myth”, la artista Mounira AI Solh profundiza en la fundación del Líbano con la historia de la princesa fenicia Europa que es seducida y secuestrada por Zeus disfrazado de toro blanco.
Al Solh le da la vuelta al mito. En lugar de que una mujer sucumbiera ante un hombre, restauró el equilibrio de género con una reinvención de Europa “lanzando (a Zeus) con los pies como si fuera una pelota que patea”.
“Una danza con su mito” se organiza alrededor de un barco, invitando a los visitantes a un viaje simbólico de emancipación.
En la vela del barco se proyecta una película de 12 minutos con escenas de la diosa haciendo girar una urna que contiene una cabeza de toro. “Busqué un magnífico toro blanco… pero lo único que encontré fue una cabra”, se lee en un verso de poesía.
“Quiero demostrar que nosotras, como mujeres, no queremos desempeñar el papel de víctimas”, dijo AI Solh en una entrevista con la curadora del pabellón Nada Ghandour. “Necesitamos retomar nuestras historias, colorearlas, cambiarlas, revertirlas, darles la vuelta para reapropiarnos de ellas”.
Pabellón de Rumania, Jardines
Bajo el título “What Work Is”, el pabellón de Rumanía presenta el trabajo de Sarban Savu y el Atelier Brenda representado por las diseñadoras Nana Esi y Sophie Keij.
En el luminoso espacio de hormigón, las paredes están llenas de pinturas que recuerdan al realismo social pero pintadas con tonos pastel más delicados.
Si se miran más de cerca, las escenas ambientadas en lugares de trabajo muestran momentos de descanso más que de trabajo, “poblados por protagonistas desorientados y extras letárgicos”.
Hombres con gorras duras se sientan en taburetes improvisados en una obra de construcción extrañamente vacía; Un empleado del museo toma una siesta en una silla frente a un retablo medieval.
Las obras reflexionan sobre los sentimientos de desplazamiento y nostalgia asociados al trabajo migratorio.
Jardín Cósmico, Salón Verde
Con su presentación de artistas indios y obras bordadas, la exposición colateral Jardín Cósmico casi podría ser una extensión del Núcleo Contemporáneo de Pedrosa.
Ubicadas en el Salone Verde, las habitaciones son una delicia de pinturas y esculturas místicas y enigmáticas de los artistas indios Madhvi Parekh y Manu Parekh. Sus obras están inspiradas en antiguos mitos indios y símbolos védicos esotéricos.
Al lado se exhiben Karishma Swali y la reinvención de su trabajo por parte de la Escuela de Artesanía Chanakya en colosales paneles de bordado.
“El proyecto busca reevaluar la relación mutua entre las mujeres y el bordado, trascendiendo los límites de lo doméstico y llevando el bordado a mano a la esfera pública”, dicen los curadores.
Las pinturas y textiles son caprichosos y llenos de energía, llenos de deidades rojas y azules de múltiples miembros y humanos y animales metamorfoseados.
