Ninguna Bienal de Venecia ha sido jamás apolítica, pero los asuntos globales ya han marcado profundamente la edición de este año. Una semana después de la 61ª exposición internacional de arte, ha habido protestas contra la participación de Rusia e Israel, cierre de pabellones y amenazas de recortar la financiación.
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La atmósfera contrasta sorprendentemente con la visión del difunto curador del evento, resumida en el tema ‘In Minor Keys’. Koyo Kouoh pretendía reorientar el espectáculo lejos de la “cacofonía ansiosa del caos actual que arrasa el mundo” para centrarse en tonos más suaves de emoción, conectividad y conexión a tierra.
A pesar de las manifestaciones de alto perfil, los pabellones y exposiciones que armonizan con los valores fundamentales de educación, intimidad y reflexión de Kouoh son los que silenciosamente se roban la atención de este año. Puede que sean menos llamativos (con la excepción de uno que lo es literalmente), pero son los que probablemente sigan atrayendo visitantes a lo largo de la Bienal, independientemente de los trucos políticos que los rodean.
Un acto colectivo de cuidado en el Pabellón de Japón
Al acercarse al Pabellón de Japón, a la sombra de los árboles en los Giardini, verá a otros visitantes dando vueltas, acunando muñecos en sus brazos. Hay sonrisas, risas y bromas entre extraños, no siempre el tipo de emociones asociadas con la visualización de arte contemporáneo.
Grass Babies, Moon Babies del artista queer japonés-estadounidense Ei Arakawa-Nash es una de las expresiones más sutilmente profundas del tema curatorial de Kouoh.
Al entrar, se invita a los visitantes a llevar una de las 57 muñecas (con mamelucos originales y gafas de sol) a través de los pilotos, los jardines y los espacios interiores del Pabellón. Al hacerlo, los visitantes participan en un acto de cuidado colectivo, con la opción de cambiar los pañales de los muñecos y activar un código QR que entrega un “poema de pañales” basado en el cumpleaños asignado a cada bebé.
Kouoh, que murió en mayo de 2025, quería que la exposición de este año se centrara en lo lento y lo sensorial. El espectáculo de Arakawa-Nash invita a los visitantes a participar física y emocionalmente en un acto profundamente humano y personal: la participación no sólo provoca alegría, sino también potencialmente nostalgia, responsabilidad o dolor.
Al hacerlo, nos obliga a afrontar cuestiones sociales fundamentales relacionadas con la crianza de los hijos para un futuro incierto. Como escriben los curadores, el pabellón pregunta: “¿Cómo podemos celebrar una nueva generación de bebés mientras nosotros, como cuidadores, emprendemos el trabajo inacabado de reparaciones y enmiendas que dan forma al mundo en el que entran?”
El sonido del arte en el Pabellón Polaco y el Pabellón de la Santa Sede
El tema melódico de Kouoh ha inspirado una gran cantidad de espectáculos sonoros en los pabellones de este año. Tanto literal como figurativamente evocan claves menores, invitando a los visitantes a involucrarse con el arte usando un sentido alternativo, así como a reflexionar sobre las “frecuencias más bajas” de la sociedad: aquellos marginados o ignorados.
En la instalación de audio y vídeo Liquid Tongues del Pabellón Polaco, Bogna Burska y Daniel Kotowski profundizan en formas de comunicación sin poder.
El ambiente es fascinante: pantallas gigantes, una de ellas montada en el techo para que puedas recostarte en un gran banco acolchado para mirar, interpretando una actuación del Coro en Movimiento de cantantes oyentes y sordos que cantan y hacen señas en lenguaje de señas internacional.
El espacio reverbera con sonidos inspirados en los cantos de las ballenas, una “voz inaudita” como la de la comunidad sorda. El proyecto destaca los esfuerzos para recuperar idiomas dejados de lado por las voces dominantes, incluido Hand Talk, el lenguaje de señas de los indios de las llanuras utilizado tanto por pueblos indígenas sordos como oyentes en América del Norte.
Como escriben los curadores: “Basándonos en la idea de Deaf Gain, la sordera no se considera una discapacidad. La mayor parte del metraje se rodó en el agua. Las personas sordas pueden hacer señas libremente allí, pero las personas oyentes sólo pueden emitir sonidos amortiguados”.
El oído es el ojo del alma del Pabellón de la Santa Sede complementa el “archipiélago de oasis” de Kouoh en la exposición principal, concebidos como espacios ricos en memoria y emoción que eran centrales para los universos de los principales artistas.
En el caso del Giardino Mistico, un jardín del convento de la orden de los Carmelitas Descalzos, se invita a los visitantes a sintonizar con un registro más tranquilo. Después de ponerse los auriculares abiertos, deambula por el jardín en silencio y se topa con una serie de encargos de sonido realizados por músicos experimentales inspirados en los cantos y visiones de Santa Hildegarda de Bingen del siglo XII.
En un mundo cacofónico que corre hacia la novedad y la innovación, este acto retrospectivo e introspectivo de caminar y escuchar parece nada menos que radical.
Un mundo marino de aguas residuales en el Pabellón de Austria
Si tocar en tono menor describe algo a la perfección en este momento, es la propia ciudad de Venecia. Su melancólica situación se explora en lo que rápidamente se está convirtiendo en el pabellón más animado de la Bienal de este año: Austria.
Titulado Seaworld Venice, está a medio camino entre un parque temático submarino y una planta de tratamiento de aguas residuales: una visión contundente del futuro de la ciudad en escenarios sombríos de cambio climático.
La instalación permanente en vivo de la coreógrafa y artista de performance austriaca Florentina Holzinger presenta a un esquiador acuático desnudo dando vueltas en círculos, en un guiño a los problemas de Venecia con el exceso de tráfico de embarcaciones, y a otro artista desnudo en un tanque de agua que se llena con la orina filtrada de los visitantes de los baños portátiles adyacentes.
El proyecto hace que los visitantes sean palpablemente conscientes de su impacto individual en Venecia y la fragilidad ecológica del mundo.
Como explica la curadora Nora-Swantje Almes, “Holzinger describe la complicidad de la humanidad en el colapso de sistemas, cuestionando las estructuras establecidas y el orden aparente de las cosas, y revelando que el orden en sí es inherentemente inestable”.