FOG, el festival de artes escénicas de Milán, regresa con algunas delicias únicas para los espectadores deseosos de descubrir lo mejor de las obras de vanguardia en los circuitos internacionales, así como artistas emergentes, con una voz distintiva. Como indica el programa del festival, “las producciones seleccionadas exploran de manera radical temas poéticos y sorprendentes, urgentes y necesarios”. Y FOG sigue creciendo con 37 compañías y artistas de 22 países diferentes en la edición de este año, con una bienvenida segunda parte prevista para octubre y noviembre.
Entre los espectáculos de este noveno festival: la compañía catalana Agrupación Señor Serrano, el grupo belga Ontroerend Goed, la dramaturga y directora mexicana Anacarsis Ramos y el colectivo noruego De Utvalgte.
Creer en máscaras (Creer en máscaras), creada y dirigida por el italiano Romeo Castellucci, inauguró el festival. En una nota de programa, Castellucci, que ha escrito y dirigido la obra, además de diseñar vestuario, escenografía e iluminación, ofrece la siguiente presentación detallada: “Descripción del aparato escénico para Creer en máscaras. Hay una habitación, a veces blanca, a veces negra, cubierta a veces con tela blanca, si la habitación es negra, a veces con tela negra, si la habitación es blanca. Eso depende. No hay actores. Hay un sofá contra la pared del fondo, saludando a Andy Warhol. Hay palabras. Blanco. Negro. Rojo. Se pide silencio. Se puede acomodar un cierto número de espectadores, pero no hay asientos. En la sala hay varias máscaras rígidas. Deben haber números pares. Cada máscara pertenece únicamente a una persona y le pertenecerá durante toda su vida”.
Si bien gran parte de la descripción anterior es precisa y refleja la atención de Castellucci a las imágenes, el escenario y lo que realmente sucedió en Creer en máscaras La noche que vi el espectáculo eran bastante diferentes. Probablemente durante los ensayos se reelaboraron algunos aspectos.
Cuando los miembros del público entraron al teatro para ver Creer en máscarasun asistente les entregó una máscara, con instrucciones estrictas de usarla durante todo el espectáculo. Alrededor de cuarenta miembros de la audiencia fueron conducidos a lo que era una sala grande, anónima y brillantemente iluminada en la Galería Trienal, tomando asiento en bancos de madera colocados en tres lados. Me encontré mirando a las personas sentadas frente a mí, cada una de ellas con una máscara rígida que cubría toda la cara. Viejos y jóvenes me miraron. Me habían dado una máscara de anciano, que me resultaba incómoda porque dificultaba la respiración y restringía mi visión.
Después de que nos acomodamos, dos hombres bien vestidos y enmascarados comenzaron a traer cajas a la habitación. En cada entrada abrían una caja y exhibían un objeto: un antiguo jarrón griego, una botella de leche que uno de ellos vertió en un vaso, un castor embalsamado… al menos creo que eso era. Simultáneamente, en la pared vacía detrás de los objetos, se proyectó una palabra, totalmente ajena al objeto. Para el jarrón griego apareció la palabra “pipa”, para el castor, la palabra “caballo”. Esta discordancia creó una sensación de caos, de disparate, de curiosidad por lo que estaba pasando. La pintura surrealista de René Magritte, Esto no es una pipame vino a la mente, lo que también interrumpe la conexión entre las palabras y sus representaciones visuales, aunque sea a través de la negación.
Más tarde, trajeron un gran cilindro de gas a la habitación y lo abrieron dejando salir el gas, haciendo palpable la tensión en la habitación. ¿Se estaba escapando este gas venenoso? ¿Fue un ataque terrorista? Lo que estaba sucediendo exactamente quedó a nuestra imaginación. Entonces uno de los asistentes enmascarados cerró rápidamente el cilindro y lo sacó del escenario, poniendo fin a nuestras suposiciones.
Una silla vieja fue llevada al escenario, pero ésta no era una silla cualquiera. Era del tipo que se utilizaba en los manicomios del siglo XIX: correas de cuero destinadas a restringir a los pacientes violentos. ¿O fue una silla eléctrica? Por primera vez, la palabra proyectada en la pared del fondo correspondía al objeto en escena. De repente una figura enmascarada se levantó de uno de los bancos, caminó rápidamente hacia la silla y se sentó. Comenzó a retorcerse y a convulsionarse, como torturado por ondas de choque eléctrico, antes de desplomarse. La vista fue espantosa, la tensión en la habitación aumentó, pero nadie habló, nadie corrió a rescatarlo. Esta acción fue repetida tres veces por otros enmascarados, que también estaban sentados en los bancos. Después de la tercera figura, el patrón cambió. Una figura enmascarada volcó la silla y procedió a acurrucarse dentro de ella, retorciéndose y convulsionándose como las figuras anteriores. La imagen visual había cambiado, pero el dolor y el sufrimiento no eran menores. El fin.
En cada producción, Romeo Castellucci parece empeñado en reconsiderar los roles de espectador y actor, en este caso desdibujando drásticamente la línea entre ambos. A medida que la acción evolucionaba, se hizo evidente que tanto el público como los actores llevaban máscaras y compartían el mismo espacio. Desde el primer momento, las figuras que realizaron la rutina de la silla eléctrica estuvieron sentadas en los mismos bancos asignados al público. Una vez que nos pusimos las máscaras, cada uno de nosotros, espectadores y actores por igual, nos convertimos en seres anónimos, sin rostro, despojados de nuestra identidad. Además, debido a los pequeños orificios para los ojos en las máscaras, solo se nos permitió una visión restringida de la acción en curso. Aún así, nuestros roles divergieron, ya que los ‘actores’ realizaron la rutina de la silla eléctrica, presumiblemente habiendo ensayado una serie de movimientos, gestos y sonidos cuidadosamente definidos. Por el contrario, los miembros de la audiencia se sentaron como observadores silenciosos, mientras la escena de la silla eléctrica se desarrollaba a plena vista. Como es bien sabido, un personaje silencioso puede tener una presencia escénica extremadamente poderosa, y mis compañeros de audiencia ciertamente lo fueron para mí. Sentí su inercia y falta de respuesta ante las escenas de brutalidad, reflejadas en mi propio comportamiento, y me sentí culpable. Después del final del espectáculo, mirando la máscara rígida en mi mano, me encontré pensando en muchas preguntas. El enigma del espectador cobraba gran importancia, sin respuestas fáciles.
Creer en máscaras27 y 28 de febrero en la Trienal de Milán.
Esta publicación fue escrita por Margarita Rosa.
Los puntos de vista expresados aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestros puntos de vista y opiniones.
La versión completa del artículo Romeo Castellucci “Creer en máscaras” en el Festival de la Niebla de Milán está disponible en The Theatre Times.
