Una vez más, las forsitias están en flor, y eso significa que están llegando nuevas vacantes demasiado rápido como para poder escribir reseñas completas sobre todo lo que veo. Aquí, entonces, hay algunas tomas más cortas, eufóricas, de admiración y otras.
Inocencia
La Ópera Metropolitana
Kaija Saariaho Inocencia es una experiencia inquietante: una obra asombrosamente compuesta y astutamente escrita sobre el tema noticioso de los tiroteos masivos en escuelas. Con un libreto tenso y dramático de la novelista finlandesa Sofi Oksanen, describe las consecuencias de un tiroteo ficticio en Helsinki cuando, diez años después del crimen, la madre de una víctima, reemplazando a un colega, descubre que es camarera en una boda de la familia del tirador. Los flashbacks se mezclan con escenas de fiesta cuando esta mujer pregunta qué derecho tiene la familia a celebrar, y oscuros secretos emergen cuando la novia se entera del crimen y se pregunta por qué nunca se lo contaron. Durante 90 minutos intensos y espeluznantes, la obra nunca sensacionaliza ni trivializa los terribles acontecimientos. En cambio, con la banda sonora espectral y siniestra de Saariaho, se construye constantemente sensibilidad y compasión por los vivos y los muertos, presentando diferentes voces operísticas para cada psique distinta. El elenco es de primer nivel, con el director Simon Stone organizando la acción en cuadros fascinantes y en constante cambio en un escenario de dos pisos que gira lentamente (diseñado por Chloe Lamford). Las transformaciones incesantes de las habitaciones se convierten en un recordatorio vívido y conmovedor del daño eterno de este tipo de crimen: un carrusel de sufrimiento ineludible.
Becky Shaw
Segunda etapa/Teatro Hayes
Los espectadores de cierta edad tal vez recuerden cómo David Mamet alborotó a los liberales allá por 1993 con su obra Oleanasobre una estudiante universitaria aparentemente tímida que aumenta su confianza y su estatus al destruir deliberadamente a un profesor con acusaciones falsas de acoso sexual. El personaje principal de la finalista del Pulitzer 2008 de Gina Gionfriddo. Becky Shaw podría describirse como un sucesor de ese estudiante, reconcebido con simpatía por una dramaturga en una era posliberal de capitalismo aplastante. La magnífica reposición de Trip Cullman de esta obra hilarante y mordaz la justifica como una declaración importante sobre un tipo estadounidense por excelencia: el villano-héroe despiadadamente transaccional. Becky (interpretada con una inocencia astuta y de ojos saltones por Madeline Brewer) puede ser obviamente inescrupulosa, pero también lo es su víctima Max, un administrador de dinero desalmado al que ella está tratando abiertamente de atrapar (interpretado con un salvaje salvajismo mametesco por Alden Ehrenreich). No hay inocentes en el mundo cruel y cortante de Gionfriddo, todo el que parece amable resulta ser un idiota, así que ¿por qué no apoyar a la bella, perspicaz y persistente Becky? Todos los actores en este escenario son excelentes (los otros miembros del reparto son Linda Emond, Lauren Patten y Patrick Ball) y es un placer especial ver a Ball (el atractivo médico drogadicto de La fosa) jugando a ser un presa fácil y descarado con complejo de salvador. Becky, de Brewer, se come a este bienhechor en el desayuno.
Cada cosa brillante
Teatro Hudson
Cada cosa brillante es realmente la pequeña producción que pudo: una exposición individual del Festival Fringe de Edimburgo de 2014 que se convirtió en un fenómeno mundial, con más de 600 producciones hasta la fecha en 80 países, además de una película de HBO. Esta modesta y encantadora pieza sobre un niño pequeño que enfrenta el intento de suicidio de su madre compilando una lista de cosas por las que vale la pena vivir se presentó en el Barrow Street Theatre en 2014, interpretada por su coguionista original Jonny Donahoe, y ahora se estrenó en Broadway protagonizada por el “niño que vivió”, Daniel Radcliffe. La actuación de Radcliffe es notable por lo efectivamente humilde que es, dada su potencia estelar. El espectáculo se basa en la participación constante de la audiencia, con espectadores interpretando al padre del niño, su novia, su consejero vocacional y más, y también gritando “cosas brillantes” de la lista (“helado”, “el color amarillo”, “gente que se cae”). Cualquier indicio de distanciamiento o frialdad en esas interacciones arruinaría el aura de hombre común que el trabajo requiere para transmitir sus mensajes centrales que todos necesidad relación, y que cada vida tiene valor. Radcliffe parece entender esto instintivamente. Irradia calidez y accesibilidad cuando destaca a las personas, e incluso cuando se dirige a nosotros como grupo, y eso sorprendentemente ayuda a que la obra se eleve por encima de su material simple y sentimental. Los sentimientos que evoca son fuertes y duran más de lo que imagina.
Gatos: La bola de gelatina
Teatro Broadhurst
gatos es la quintaesencia de la comida chatarra teatral: un musical de baile absolutamente incoherente y lleno de energía, con una sola buena canción (“Memory”), que se convirtió en un éxito de larga duración porque sus gatos furtivos eran sexys y corrían por el teatro tocando a la gente, diciendo tonterías que rimaban y haciendo que los turistas se sintieran bienvenidos. Esta barra de chocolate de Andrew Lloyd Webber finalmente se quedó sin calorías y chisporroteó hace un tiempo, pero hace dos años, los directores Zhailon Levington y Bill Rauch la reempaquetaron como un salón de baile subterráneo de Harlem en el PAC Center y la reetiquetaron. Gatos: La bola de gelatina—Para que pareciera un poco más nutritivo, pensé. Después de haberla visto después de su traslado a Broadway, admito que hay algo más que eso. Se podría decir que el desfile ahora está tan vacío como la cabeza de una supermodelo, lo que significa que su vacuidad ha dejado de tener importancia porque la ropa y los cuerpos en la pasarela son ASÍ de asombrosos. Los gatos de Webber han sido reinventados como concursantes ferozmente orgullosos de trofeos en desfiles hiperglamurosos y competencias de realidad, y eso le da a la obra un nuevo sentido de propósito como una celebración extravagante de la cultura queer. Cuenta con docenas de trajes fabulosos y exagerados de Qween Jean, una impresionante serie de bailarines asombrosamente excelentes con físicos inusuales y una poderosa línea de solidaridad comunitaria. La electrizante interpretación de Andre De Shields, de ochenta años, como el Viejo Deuteronomio vale por sí sola el precio de una entrada.
La máquina de sumar
El nuevo grupo/teatro en St. Clement’s
Con megacorporaciones enormemente poderosas que reducen nuestras vidas a datos vendibles y una IA lista para quitarnos nuestros trabajos, la obra expresionista de 1923 de Elmer Rice La máquina de sumar Parece una obviedad para el avivamiento. Un contador de cuerpo de perro llamado Sr. Zero se entera de que ha sido reemplazado por una máquina sumadora, asesina a su desalmado jefe, es ejecutado después de un juicio superficial y luego, en la otra vida, rechaza la oportunidad de ser feliz para retomar la misma actividad de memoria que realizó en vida. Esta historia despiadada de los primeros días de la mecanización de las oficinas debería cautivarnos, entonces, ¿por qué la adaptación inteligentemente concebida de The New Group (llamada “revisión”) es tan persistentemente plana y distante? El dramaturgo Thomas Bradshaw, famoso por sus provocaciones sexuales, conservó la mayor parte del lenguaje de Rice pero también insertó un narrador y un lenguaje sexual mucho más explícito. Él y el director Scott Elliott han reducido el elenco de 20 a 4, con el Sr. y la Sra. Zero y Daisy individualizados y todos los demás interpretados por el carismático Michael Cyril Creighton (de “Only Murders in the Building”). El decorado negro de Derek McLane (archivadores completamente iluminados y otras unidades rodantes que se encienden y apagan ante una red de ventiladores y lámparas baratos) es admirablemente flexible, lo que ayuda a que el movimiento escénico se mantenga enérgico y eficiente. La principal fuente de inercia, para mí, es el muy promocionado casting de género cruzado de Daphne Rubin-Vega (la sexy Mimi original en Alquilar) como el Sr. Zero. Supongo que el objetivo de esta elección es presentar irónicamente al personaje principal supuestamente varonil como un nebbish bajo y sin encanto. ¿Pero quién quiere pensar en eso durante dos horas y cuarto? La jugada de Rice mantiene sus cartas emocionales cerca de su pecho, pero ofrece una apuesta emocional total: la atracción entre Mr. Zero y Daisy. Si no hay química sexual entre estos dos (y no la hay en absoluto entre Rubin-Vega y Daisy de Sarita Choudhury), nos quedamos con una bolsa sin sentimiento real, simplemente indicada, con una emoción cifrada.
Este artículo apareció en TheatreMatters el 21 de abril de 2026 y se volvió a publicar con autorización. Para ver el artículo original haga clic aquí.
Esta publicación fue escrita por jonathan kalb.
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La versión completa del artículo Spring Roundup 2026 está disponible en The Theatre Times.
