En la escena inicial de Plunauna obra musical escrita y dirigida por la profesora Tammy Haili’ōpua Baker, un joven curioso examina un baúl de recuerdos en la casa de su familia. Mientras examina fotografías antiguas, carretes de película y discos LP, imágenes granuladas en blanco y negro parpadean en una pantalla transparente, revelando imágenes de un vocalista urbano de la década de 1930, cantando viejas mele (canciones) en Ōlelo Hawai’i, el idioma hawaiano. Este es el kupuna kāne kualua (tatarabuelo) del joven, un cantante y compositor legendario que dejó Hawai cuando tenía 20 años y llevó la cultura y la música hawaianas a los escenarios del mundo.
Esta producción de Pluna Fue un evento especial para el teatro de Wellington: la primera representación de Hana Kaeaka (teatro en lengua hawaiana) en nuestra ciudad. El profesor Baker es uno de los principales dramaturgos de Hawai’i y fundador del programa de Teatro Hawaiano de la Universidad de Hawai’i en Mānoa. Desde la década de 1990, ha liderado el trabajo de revitalizar los mo’olelo Kanaka Maoli (narrativas indígenas hawaianas) a través de Hana Keaka. No solo ha creado numerosas obras de teatro en ‘Ōlelo Hawai’i, sino que también ha transmitido sus habilidades lingüísticas y teatrales a sus alumnos, quienes a su vez están ampliando el canon de las obras de Hana Keaka. Sus obras son actos persuasivos de resistencia contra el traumático legado de la colonización en Hawai’i y la región del Pacífico en general, pero la integridad y positividad de su trabajo son empoderantes y fomentan un verdadero sentido de esperanza para el futuro. En junio del año pasado, la compañía del profesor Baker viajó desde Honololu para actuar en el Festival Kia Mau, un festival bienal de arte indígena contemporáneo dirigido por creativos maoríes y del Pacífico que está redefiniendo la forma en que pensamos sobre los festivales de arte en Aotearoa.
Joshua “Baba” Kamoani’ala Tavares interpreta al joven Kawohi con reflexiva integridad. Lo acompañan sus amigos músicos Hale (Ikaika Mendez) y Nae (Theo Kāneikoliakawahineika’iukapuomua Baker). Los tres actores tienen un encantador sentido del juego entre ellos, rebotando entre sí con una energía contagiosa. La mayor parte del diálogo en Pluna está en ‘Ōlelo Hawai’i, sin sobretítulos. No hablo el idioma, pero me encanta oírlo hablar, con los hermosos sonidos y ritmos del idioma abriendo nuestras mentes y corazones a la herencia lingüística de esta antigua cultura del Pacífico. Hay apertura y generosidad de espíritu en la escritura de Baker. Aunque no sé el significado de las palabras, la dinámica de las relaciones entre estos tres personajes es claramente transmitida por los actores a través de la acción, la entonación y el lenguaje corporal. Juntos, Kawohi, Hale y Nae forman la banda Puana, y son intérpretes consumados, su canto se caracteriza por emocionantes armónicos. Todos tienen calidad de estrella pero trabajan juntos a la perfección como un conjunto comprometido.
A lo largo de la obra, el espíritu del Kupuna de Kawohi aparece en la habitación, como evocado por la curiosidad de Kawohi. Como Kupuna, Kaula Krug parece venir de otra época y encarna sin esfuerzo el maná del famoso cantante. Vestido con un elegante traje blanco, tiene una presencia escénica silenciosamente convincente y un ritmo más lento que los otros actores, exudando una extraña cualidad fantasmal: el compositor sereno, hablando principalmente a través de su música inquietante. A medida que el fantasma sigue a Kawohi en la casa que ha heredado, gradualmente se une a su antepasado y absorbe su espíritu en sí mismo y en su música. Hay algunas risas cuando Kawohi no puede entender por qué el viejo fonógrafo cobra vida misteriosamente mientras el fantasma (invisible para él) reproduce sus viejos discos.
Surgen tensiones entre Hale, que prefiere la música tradicional hawaiana, y Nae, que quiere componer música contemporánea en nuevos géneros. Los vemos ensayando, componiendo, cantando en un bar. Sus conflictos creativos resuenan con los viajes de Kupuna, que cobran vida cuando Kawohi lee sus diarios (escritos en inglés) y mira los fragmentos de películas antiguas. Los diarios de Kupuna revelan que su éxito internacional le hace sentirse como “un colono en suelo extranjero” que es “célebre por su exotismo”. Al escribir desde las gélidas condiciones de Nueva York, sus sentidos añoran su isla natal. Es testigo de la erosión de la cultura hawaiana y se lamenta por las generaciones venideras porque no sabrán lo que han perdido. Esta melancolía contrasta con el espíritu de la música de Kupuna, que preserva la integridad de la estética indígena, mientras que los apasionados debates creativos entre los músicos más jóvenes de hoy reflejan la política de la producción artística oceánica: la necesidad de una interacción productiva entre una rica herencia cultural y una renovación creativa centrada en el futuro.
Los períodos de tiempo superpuestos en la obra crean un diálogo entre pasado, presente y futuro, con la música hawaiana como factor unificador. Las composiciones de R. Keawe Lopes Jr. y Zachary Alaka’i Lum son parte integral de la dramaturgia, llenas de ritmos suaves, melodías líricas y armonías altísimas que a menudo provocan aplausos y vítores espontáneos del público. Su música nos transporta a espacios insulares e ilustra la evolución de la música hawaiana durante el último siglo.
El diseño escénico (de Christopher Patrinos y Antonio Hernández) luce magnífico en el amplio espacio del Teatro Te Whaea, con las escenas más naturalistas teniendo lugar en el fondo del escenario cerca del público, una banda completa materializándose en un nivel superior al fondo del escenario frente a un amplio ciclorama y una pantalla de gasa en el medio. Estos espacios contrastantes facilitan las realidades superpuestas del guión y se caracterizan claramente por la iluminación audaz creada por Tyler Kanemori y el diseño de proyección de Noelani Montas y Marcus Goh. Al principio de la obra, Kawohi sueña con las actuaciones de su Kupuna, que cobran vida vívidamente en el espacio onírico del fondo del escenario, donde Kupuna canta su mele en clubes nocturnos llenos de humo acompañado por la banda completa y bailarines de hula. Me intrigan los espacios de sombra, los espacios ambiguos, los espacios granulados, los espacios de memoria, donde Kupuna fusiona la imagen cinematográfica con la realidad, del pasado al presente y viceversa. Los colores vibrantes, las texturas y las líneas dinámicas del vestuario diseñado por Theo Kāneikoliakawahineika’iukapuomua Baker y Maile Speetjens vitalizan las imágenes escénicas, contribuyendo al tono de celebración a medida que la narración avanza hacia su conclusión.
El espectáculo finaliza con un espectacular concierto que integra música tradicional y contemporánea. Los compañeros de banda de Puana ocupan un lugar central, el público aplaude su sublime destreza vocal y Kawohi canta un conmovedor dúo con su Kupuna que fusiona elegantemente sus caminos creativos. Mientras Pluna evoca un sentimiento de nostalgia por una época pasada, la historia entrelazada de los músicos modernos utiliza esta conmemoración de manera productiva para imaginar el futuro de la identidad cultural hawaiana que se centra en la juventud pero se basa en los logros de los antepasados. Todo este color, esta vida, esta gentileza, este mana, cuestiona los efectos devastadores del imperialismo estadounidense y la ocupación ilegal de Hawai’i que comenzó con el golpe contra la reina Lili’uokalani en 1893 y continúa hasta el día de hoy.
Aunque Hawai’i y Aotearoa están a más de siete mil kilómetros de distancia, sus artistas indígenas visionarios e inventivos los conectan espiritual, emocional y políticamente. Como escribió el profesor Baker en nuestro periódico local:
Cuando practicamos la narración de historias, celebramos nuestro idioma, identidad, valores culturales y nuestros antepasados, incluidos los akua (Dios), elementos naturales como la tierra, el océano, el agua, el viento, los animales, la vida marina y nuestros compañeros kānaka (personas).
El acto de representar nuestras historias en ‘Ōlelo Hawai’i (lengua hawaiana) es un acto de autodeterminación que vuelve a normalizar nuestra lengua y vuelve a indigenizar las artes escénicas.(i)
Pluna es a la vez un homenaje a los músicos legendarios que llevaron la música hawaiana al mundo y una exploración de cómo está evolucionando la producción creativa en Oceanía. El testimonio definitivo del impacto teatral de Pluna fue que un grupo de niños pequeños en la segunda fila quedaron paralizados por el espectáculo en todo momento. Felicitaciones al Festival Kia Mau por traer una producción tan hermosa, ambiciosa, de celebración y alucinante a través de Moana para iluminar nuestros escenarios en Aotearoa. ¡Mahalo nui loa!
Pluna escrito y dirigido por Tammy Haili’ōpua Baker
Preco’etting del programa Hawaiian Vaniancy – Universidad de Hawai’i en Mildlies
Festival Kia Mau, Teatro Te Whaea, Wellington, Nueva Zelanda
11-14 de junio de 2025
(I) Tammy Houlita Baker, “A Wy Tentavus le gustan los kils”. El correo 3 de junio de 2025.
Esta publicación fue escrita por David O’Donnell.
Los puntos de vista expresados aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestros puntos de vista y opiniones.
La versión completa del artículo Kia Mau Festival trae Hana Keaka (teatro en idioma hawaiano) a Aotearoa: una reseña de “Puana” escrita y dirigida por Tammy Haili’ōpua Baker está disponible en The Theatre Times.
