El programa “Pantalla/Escenario” nace como un espacio de visionado, debate y reflexión compartidos sobre las formas digitales del teatro contemporáneo. Situada en la intersección de la actuación en vivo y la mediación digital, la iniciativa invitó a los participantes a interactuar con producciones teatrales grabadas no como espectadores pasivos, sino como comentaristas y críticos activos. Al combinar la visualización colectiva con una discusión moderada, “Screen / Stage” exploró cómo funciona el teatro en todos los formatos, culturas y tradiciones, y cómo se moldea el significado a través de la interpretación, la adaptación y la artesanía.
Basándose en producciones disponibles a través de Digital Theatre+, “Screen / Stage” se dirigió a una amplia audiencia: estudiantes de diversas disciplinas, participantes del programa Erasmus, profesores, investigadores y entusiastas del teatro interesados en el teatro en inglés y la interpretación contemporánea, así como aquellos que no se habían involucrado mucho con las artes escénicas antes. En lugar de centrarse únicamente en la interpretación o la evaluación, se animó a los participantes a discutir cómo funciona el teatro: cómo se cuentan las historias, cómo operan las convenciones, cómo los contextos culturales moldean el significado y cómo el propio medio influye en la recepción.
Reuniones “Pantalla/Escenario” previas al festival
En los meses previos al Festival Between.Pomiędzy 2025, “Screen / Stage” funcionó como un programa preparatorio diseñado para establecer un terreno común para el debate. Las tres reuniones introductorias crearon un espacio donde los participantes pudieron desarrollar herramientas analíticas compartidas y sentirse cómodos interactuando críticamente con el teatro en un entorno grupal.
La primera reunión se centró en El contenedoruna obra de teatro específica de Clare Bayley, representada dentro de un contenedor de envío y experimentada por un público reducido. La discusión abordó el encuadre y la promoción de la producción, particularmente el papel de la representación de los medios en la configuración de las expectativas de la audiencia. Los participantes examinaron cómo se presentan las narrativas no occidentales dentro de los marcos institucionales occidentales y cómo operan las cuestiones de poder, espacio y visibilidad dentro de la actuación. La representación de las mujeres, las divisiones sociales y las estructuras de autoridad condujo naturalmente a reflexiones más amplias sobre la ética, el papel de espectador y la responsabilidad. La conversación también abrió preguntas sobre el teatro digital en general: ¿qué se gana y qué se pierde cuando la representación se experimenta a través de una pantalla?
La segunda reunión se centró en Titanic: El musicalestrenada por primera vez en Broadway en 1997. Aquí, la atención se centró en el contexto histórico y la memoria colectiva. Los participantes discutieron la atmósfera social que rodeó el viaje inaugural del Titanic y las formas en que las divisiones de clases, los roles de género y las aspiraciones de un futuro mejor están entretejidos en la estructura del musical. La forma en sí se convirtió en un punto clave de discusión: ¿cómo el musical, como género, moldea la respuesta emocional y la identificación del público de manera diferente al drama hablado? ¿Qué tipo de historias hace posibles y qué tipos simplifica?
La tercera reunión se centró en La muerte y el jinete del reyescrito por Wole Soyinka. Los moderadores presentaron los antecedentes históricos y culturales de la obra, incluidos los acontecimientos reales que la inspiraron, las tradiciones yoruba y el contexto colonial de la Nigeria de la década de 1940. Se prestó especial atención al lenguaje y la traducción: la decisión de no traducir canciones y cánticos, la interpretación literal de ciertos modismos y las implicaciones de estas elecciones para la comprensión y la interpretación. Los participantes también discutieron sobre la vestimenta, el simbolismo del color y la autenticidad cultural, así como el tratamiento que la obra da al deber, el honor, los roles de género y el poder colonial. La conversación volvió repetidamente a la cuestión de la perspectiva: ¿cómo influye el hecho de ser un espectador europeo en la comprensión de la obra?
En conjunto, estas reuniones introductorias establecieron “Screen/Stage” como un espacio donde los desacuerdos, la incertidumbre y las múltiples interpretaciones eran bienvenidos. En lugar de proporcionar lecturas definitivas, las sesiones alentaron a los participantes a escucharse atentamente unos a otros y reflexionar sobre sus perspectivas como espectadores.
“Pantalla / Escenario” durante el Festival Between.Pomiędzy 2025
Durante el Festival Between.Pomiędzy 2025, “Screen / Stage” se convirtió en un componente esencial de la dimensión intelectual y reflexiva del festival. Si bien el festival en sí puso en primer plano la actuación en vivo, la experimentación artística y el intercambio internacional, “Screen/Stage” ofreció un elemento complementario: más lento, orientado a la discusión y centrado en la atención a los detalles teatrales, ahora dirigido a una audiencia mucho más amplia.
A lo largo de tres días del festival, los participantes se reunieron para ver y discutir producciones grabadas que resonaban con la preocupación central del festival por el teatro como arte.
Día uno: Conduce tu arado sobre los huesos de los muertos
El primer encuentro “Screen/Stage” del festival se centró en la adaptación de Complicité de Conduce tu arado sobre los huesos de los muertos. Desde el principio, la discusión giró hacia las convenciones teatrales y la relación entre los artistas y el público.
Uno de los temas centrales fue la ruptura de la cuarta pared. Los participantes reflexionaron sobre cómo la dirección directa puede atraer al público e interrumpir la inmersión, dependiendo de cómo y cuándo se utiliza. Esto llevó a una discusión más amplia sobre el acuerdo tácito entre artistas y espectadores, que es la voluntad compartida de suspender la incredulidad y aceptar las reglas del mundo teatral.
Los momentos finales de la actuación, en particular el toque del telón, se convirtieron en otro punto focal. Los participantes debatieron cómo el llamado al telón reformula el peso emocional y ético del final de una obra, a veces suavizando su mensaje, a veces reforzándolo. La discusión también destacó la importancia de entrar en una actuación sin conocimiento previo de la trama. Muchos participantes sintieron que descubrir la historia a medida que se desarrollaba intensificó su compromiso y permitió una respuesta más visceral.
A lo largo de la reunión, la atención volvió repetidamente a la precisión del lenguaje teatral de Complicité y a la forma en que la forma y el contenido están estrechamente entrelazados. El encuentro marcó la pauta para el programa del festival “Screen / Stage” al enfatizar la atención, la curiosidad y la apertura a la complejidad.
Día dos: En el bosque
El segundo día del festival concluyó con un encuentro “Pantalla/Escenario” dedicado a En el bosquepresentado en una producción al aire libre. El escenario en sí se convirtió en un importante punto de discusión. Los participantes describieron la experiencia de ver teatro al aire libre como refrescante e inusualmente inmersiva, y el entorno se convirtió en parte de la actuación.
La escenografía llamó especialmente la atención. En lugar de depender de decorados elaborados, la producción utilizó una estructura única y flexible hecha de andamios y cuerpos de artistas. Esta elección fue ampliamente vista como inventiva y temáticamente resonante, permitiendo que el espacio escénico cambiara con fluidez entre ubicaciones y estados emocionales.
La discusión sobre el desarrollo del personaje reveló sorprendentes observaciones sobre el género. Los participantes notaron que los personajes masculinos tendían a permanecer relativamente estáticos, mientras que los personajes femeninos sufrieron una transformación significativa. Este desequilibrio provocó reflexiones sobre la agencia, la responsabilidad y el enfoque narrativo.
Las relaciones familiares surgieron como otro tema central. Se discutió la dinámica entre padres e hijos, junto con las consecuencias a largo plazo de las decisiones de los padres, en relación con las luchas y los dilemas morales de los personajes. Gradualmente, la conversación avanzó hacia nociones más abstractas, interpretando “el bosque” como una metáfora de la edad adulta misma: un espacio de incertidumbre, compromiso y ambigüedad moral.
Los participantes coincidieron en que la producción resistió simples binarios morales. No había héroes ni villanos perfectos, sólo individuos defectuosos que tomaban decisiones difíciles. Esta apertura a la interpretación fomentó un rico intercambio de perspectivas y reforzó la idea de que el teatro no ofrece respuestas, sino que crea espacios para el cuestionamiento.
Día tres: Jane Eyre
El encuentro final “Screen/Stage” del festival se centró en la adaptación de Blackeyed Theatre de Jane Eyre. La discusión fue notablemente más crítica, pero no menos comprometida.
Muchos participantes quedaron sorprendidos por el tono ligero de la producción, que contrastaba marcadamente con la complejidad de la novela de Brontë. Un punto importante de crítica fue la gran dependencia de la adaptación de la narración en lugar de la acción dramática. Esta elección a menudo hacía que la actuación pareciera más cercana a un audiolibro dramatizado que a una experiencia totalmente teatral.
Los elementos modernizados provocaron reacciones encontradas. Si bien la actualización del lenguaje y las referencias puede hacer que los textos clásicos sean más accesibles, en este caso varios participantes sintieron que los cambios se acercaban demasiado a la parodia, lo que socavaba la profundidad emocional de la historia. El diseño minimalista del escenario también dividió opiniones: para algunos, sugería sobriedad conceptual, pero para muchos parecía inacabado en lugar de intencionalmente restringido.
El trabajo de cámara también se convirtió en tema de discusión. Técnicas como tomas prolongadas de actores que no hablan se compararon con las convenciones de las comedias de situación, creando una sensación involuntaria de ironía que chocaba con la seriedad de la narrativa.
A pesar de estas opiniones críticas, la reunión fue ampliamente considerada valiosa. La discusión volvió repetidamente a cuestiones de oficio: opciones de adaptación, equilibrio narrativo y la responsabilidad de los creadores de teatro tanto hacia el material original como hacia el público. En este sentido, la conversación se hizo eco de uno de los temas centrales del Festival Between.Pomiędzy 2025: la importancia del cuidado, la precisión y la consideración en la práctica teatral.
“Pantalla/Escenario” como espacio de diálogo
Tanto durante su fase preparatoria como durante su presencia en el festival, “Screen / Stage” funcionó como algo más que una serie de debates. Se convirtió en un espacio compartido para pensar juntos sobre el teatro: sus posibilidades, sus limitaciones y sus formas cambiantes.
Al trabajar con actuaciones grabadas, el programa cuestionó las suposiciones sobre la vivacidad y la presencia, al tiempo que destacó lo que sigue siendo singularmente teatral incluso cuando está mediado a través de una pantalla. El énfasis en la visualización y la conversación colectivas transformó la observación solitaria en una experiencia comunitaria, basada tanto en escuchar como en hablar.
Como parte del Festival Between.Pomiędzy 2025, “Screen / Stage” ofreció un contrapunto más lento y reflexivo a la intensidad de los eventos en vivo. Invitó a los participantes a hacer una pausa, reconsiderar y articular sus respuestas, reforzando la
Tanto durante su fase preparatoria como durante su presencia en el festival, “Screen / Stage” funcionó como algo más que una serie de debates. Se convirtió en un espacio compartido para pensar juntos sobre el teatro: sus posibilidades, sus limitaciones y sus formas cambiantes.
Al trabajar con actuaciones grabadas, el programa cuestionó las suposiciones sobre la vivacidad y la presencia, al tiempo que destacó lo que sigue siendo singularmente teatral incluso cuando está mediado a través de una pantalla. El énfasis en la visualización y la conversación colectivas transformó la observación solitaria en una experiencia comunitaria, basada tanto en escuchar como en hablar.
Como parte del Festival Between.Pomiędzy 2025, “Screen / Stage” ofreció un contrapunto más lento y reflexivo a la intensidad de los eventos en vivo. Invitó a los participantes a hacer una pausa, reconsiderar y articular sus respuestas, reforzando la idea de que el teatro no termina cuando termina la representación, sino que continúa en discusión, desacuerdo y reflexión compartida.
Este artículo es parte del reportaje sobre Between.Pomiędzy Festival 2025, disponible en TheTheatreTimes.com.
Esta publicación fue escrita por Paulina Peret.
Los puntos de vista expresados aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestros puntos de vista y opiniones.
La versión completa del artículo El programa “Pantalla / Escenario” del Festival Between.Pomiędzy 2025 está disponible en The Theatre Times.
