Soy Aysha Zackria. Soy una mujer queer pakistani-estadounidense de 23 años que vive en DC a través de mis experiencias en el Kennedy Center American College Theatre Festival y el Eugene O’Neill Theatre Center, he aprendido a hacer que mi práctica dramaturgical sea más personal e inclusiva de mí mismo.
Después de que los participantes de KCACTF llegaron a Washington, DC, fuimos bienvenidos con comentarios de Gregg Henry, director artístico de KCACTF, y Kelsey Mesa, gerente de educación teatral en el Centro Kennedy. Los dos compartieron su emoción por el programa de este año: 2024 fue el primer festival nacional en persona de larga duración desde 2019. Hubo un aire de anticipación, pero también hubo una sensación de alivio de que hubiéramos podido lograr una apariencia de normalidad, incluso como Covid no lo había hecho, y aún no ha desaparecido.
El festival que se celebra en DC fue significativo más allá de ser en persona. Los participantes habían venido de todos los rincones de los Estados Unidos para converger en su capital en abril de 2024, ya que la ciudad y la nación abordaron su próxima elección presidencial. Este artículo estaba en desarrollo antes de las elecciones y se publicó después de su desgarrador resultado. El Centro Kennedy se ha convertido recientemente en el tema de la atención nacional debido a que Trump anunció su intención de obtener su programación. La política y el arte siempre están inextricablemente vinculados, pero nunca ha sido más cierto que en este momento y lugar.
The festival’s dramaturgy schedule was packed with meetings, shows, readings, panels, and workshops, including “Casting is Dramaturgy,” led by AJ Links, an Emmy-awarded casting director, “Dramaturgy at Arena Stage” by Otis Ramsey-Zöe, Literary Manager, “Curating Dramaturgical Contributions” by Diane Brewer and Ambree Feaster, our two fearless program leaders, and “Dramaturgy y colaboración: cómo ser un ser humano en el proceso creativo” de Drew Lichtenberg, productor artístico de Shakespeare Theatre Company.
Mark Bly, asesor nacional de KCACTF, dirigió un taller titulado “El impulso dramaturgical”, que avanzó la idea de que los dramaturgs deben alimentar su curiosidad y alentar la de sus colaboradores. Al cultivar un espíritu de preguntas, los dramaturgs se convierten en aprendices de por vida. Cada guión y proceso requiere atención y una sensación de asombro. Conseguramente basándose en el taller de Lichtenberg, Bly nos advirtió no escondernos detrás de nuestra investigación, y en su lugar ofreció un enfoque centrado en la persona que considera nuestra propia integridad y humanidad, así como los de nuestros compañeros. People First Language fue acuñado por primera vez por activistas de la justicia de discapacidad que abogaban literalmente para poner la palabra “persona” antes de la descripción de una discapacidad para distinguir entre la personalidad de alguien y su condición. Aplicando esta idea de manera más amplia, podemos apreciarnos mutuamente y a nosotros mismos como seres complejos, en lugar de aspectos singulares de nuestras identidades.
Tomarte en tu trabajo también lleva naturalmente a desarrollar una red de colaboradores y amigos que conocen y valoran tu estética creativa. Un ejemplo sobresaliente de esto fue el panel de gerentes literarios de DC, Adrien-Alice Hansel en Studio Theatre, Naysan Mojgani en el Round House Theatre y Sonia Fernández de Woolly Mammoth Theatre Company, cuya familiaridad entre sí animó su discusión. Aquellos de ustedes que me conocen ya pueden ver a dónde va esto, pero volveré a lana en algunas oraciones. Los tres discutieron cómo podría ser una relación ideal para el dramaturgo-dramaturg, incluir cómo ofrecer comentarios, hacer las preguntas correctas y ganarse la confianza de los demás. También aplicaron estos principios a su propio trabajo institucional de leer guiones y temporadas de planificación. Para ver estas prácticas en su lugar, cada uno de sus teatros dio la bienvenida a los participantes de KCACTF para ver los programas que tenían en ese momento.
La cohorte de dramaturgia vio Un punto de salto en la casa redonda y Amm (i) se fue en Woolly Mammoth. Amm (i) se fue es un espectáculo de una sola persona creado y realizado por Adil Mansoor. Invita a su madre paquistaní a traducir Antigone al urdu como un medio para explorar las tensiones entre la familia y la fe. Este espectáculo se realizó simultáneamente con miedo y conmovedor con esperanza. Explora su rareza, práctica dramaturgical y relación con su madre, todo lo cual me sorprendió de una manera profundamente personal. Me sentí especialmente sostenido porque esto marcó la primera vez que había visto el trabajo de una persona paquistaní en el escenario, aparte del mío.
Además de actuar en Amm (i) se fueAdil también realizó dos talleres para los dramaturgs y directores. Al “dirigir la dramaturgia”, hizo una inmersión profunda en el análisis de texto como una herramienta vital compartida entre los colaboradores. Al “abrazar sus guiones como artista de teatro”, habló sobre su propia multiplicidad artística y estrategias para adoptar nuestra propia abundancia de intereses y habilidades. Las ofrendas de Adil habrían sido inconmensurablemente valiosas para mí viniendo de cualquiera, pero fueron especialmente significativas viniendo de él. A pesar de que este artículo está inmerso en la política de identidad, no tengo cuidado porque ningún grupo de identidad es un monolito, y una buena historia puede mover a cualquiera, independientemente de quién lo esté contando. Dicho esto, la representación realmente importa. Tener modelos a seguir que se parecen a usted, comparten su idioma y comprenden sus antecedentes hace la diferencia.
Actualmente sirvo como el nuevo trabajo de la familia Miranda y el compañero de producción artística en Woolly Mammoth, donde el nuevo departamento de trabajo está completamente compuesto por yo y Sonia. Aunque ya había comenzado mi solicitud cuando asistí a KCACTF, escuchando a Sonia describir su enfoque para la dramaturgia y la observación Amm (i) se fue Me animó a poner aún más de mí mismo en mis materiales. Dos semanas después de salir de DC, presenté mi solicitud, y el resto es historia.
Excepto que eso no es del todo cierto. Los últimos meses de la universidad y los primeros meses en “The Real World” pueden estar tensados por muchos estudiantes de último año que se gradúan, y no fui la excepción. A pesar de que el futuro incierto era producir ansiedad, sentí que había aprovechado al máximo mi tiempo en Carnegie Mellon, y me encontraba con las personas que me guiarían a lo que fuera después.
Ese sentimiento se volvió más seguro durante mi verano como miembro literario en el Centro de Teatro Eugene O’Neill. Mi selección para esta oportunidad fue uno de los muchos regalos que recibí como participante de KCACTF. En el transcurso del verano, ayudé con la Conferencia Nacional de Títeres, la Conferencia Nacional de Teatro Música, la Conferencia Nacional de Playwrights y la Conferencia Cabaret y Performance. Hice un glosario dramaturgical, rastreé e imprimí los cambios de guiones, hice libros de letras, compilé partituras y aprendí a participar en una oficina profesional. Llegué a conocer a Emily Lathrop, Helena Pennington y Rebecca Rovezzi, todos los cuales tienen fuertes lazos con lanuda y me ayudaron a ir allí. Habiendo graduado, tenía miedo de estar fuera del aula, pero descubrí que estaba rodeado de más lecciones para aprender.
Los dramaturgs son estudiantes perpetuos por naturaleza, pero podemos y también debemos ser maestros, impartiendo nuestro propio conocimiento y sabiduría únicos. Durante mi comunión en el O’Neill, fui asesorada por la gerente literaria, Helena Pennington, la asociada artística, Rebecca Robezzi y la coordinadora de guiones, Audrey Erickson. Los tres construyeron un andamio profundamente intencional y robusto para mantenernos informados, preparados y inteligentes. El entrenamiento comenzó, como lo hacen la mayoría de los trabajos, con un período de intensidad al comienzo del verano, pero continuó a un intervalo regular durante toda la temporada. Esto tomó principalmente la forma de salones semanales donde discutimos las lecturas. Estos van desde productos básicos de teatro seminales como “Ef’s Visit to A Small Planet” hasta clásicos contemporáneos como la colección de ensayos de Sarah Ruhl hasta textos específicos de O’Neill como el libro del mismo nombre de Jeffrey Sweet. Helena, Rebecca y Audrey también crearon sus propios materiales que establecieron las mejores prácticas y expectativas, dejando cualquier conjetura en la puerta. En la verdadera moda dramaturg, fomentaron nuestra curiosidad y la conocieron con un excedente de nuevas ideas para explorar.
Los últimos meses me han desafiado, me sorprendieron y me aseguraron una y otra vez. No es un momento fácil para ser optimista. En medio de la interrupción de las estructuras de ayuda federal, la censura de las iniciativas de DEI y el genocidio en curso en Palestina, la esperanza es algo muy frágil. A pesar de los estragos sociopolíticos que vivimos, he encontrado valor y propósito en mi práctica creativa. Más que nada, estos meses me han enseñado que puedo traer mi yo completo donde quiera que vaya, y puede verse como un activo, en lugar de una distracción. He aprendido que mi dramaturgia no existe separada de mi propia humanidad, sino por eso.
La versión completa del artículo Dramaturgy AutoSh: Práctica personal en el Kennedy Center College Theatre Festival está disponible en Theatre Times.
