En octubre de 2025, el Battersea Arts Center organizó Adesgaste (Corrosión) – una obra teatral en turco, ganadora de múltiples premios, del innovador escritor y director turco Şahika Tekand y el estimado actor Yiğit Özşener.
Estamos en la Sala del Consejo del BAC, un escenario de caja negra. En el centro se encuentra un marco de cubo tridimensional hecho con palos de metal. Alrededor de esta estructura, hay paneles de luz LED que se utilizan para dar órdenes directas a Özşener, quien está sentado tranquilamente en una silla en medio de este diseño cúbico antes de ofrecer una interpretación en solitario trepidante que impactará y elevará a su audiencia al mismo tiempo.
Escrito y dirigido por el reconocido practicante Tekand, Adesgaste se basa directamente en el trabajo anterior de Tekand Miedo a la oscuridad (2008) e ilustra su exploración de décadas de la “escenificación performativa y el método de actuación”, que se basa en la superposición de actor y personaje, juego y actor, teatro y vida en el aquí y ahora del actor y la audiencia. Interpretada con destreza por el colaborador de Tekand desde hace mucho tiempo en Studio Players (Estambul), Özşener, Adesgaste ofrece una fascinante meditación sobre lo que significa ser humano hoy. Reflexiona sobre cómo nos corroemos cuando intentamos encajar, resistir, ceder y salir de los sistemas que nos gobiernan, ya sea que nos enfrentemos a las desigualdades, las presiones capitalistas y las medidas opresivas en Turquía o en Inglaterra –o, de hecho, en cualquier lugar.
Durante 55 minutos quedamos cautivados por la entrega rápida y fluida de Özşener de la lucha del protagonista anónimo por captar, adaptarse, conformarse y desafiar las realidades que rodean y presiden su vida. Las realidades son fáciles de reconocer para cualquiera que viva en el mundo contemporáneo: pobreza, guerra, opresión, crisis climática, cultura de consumo, injusticias y desigualdades. Lo que llama la atención es la sensación de cómo la propia humanidad se corroe al intentar ‘ser uno mismo’ y ser un ser humano decente mientras estas realidades lo empujan a uno a algo que no es, como dice de manera convincente el personaje: “Cumplir constantemente con lo que se espera de ti y anhelar ser como tú mismo”.
Mientras pronuncia rápidamente un torrente de pensamientos y recuerdos fragmentados, Özşener también intenta seguir órdenes intrusivas que le dan a través de paneles de luz y señales de sonido. Él está jugando un juego que él, como actor y nosotros, como público, intentamos descifrar simultáneamente, mientras las reglas del juego se revelan a través de indicaciones de luz y sonido. El juego dentro de una obra es una manifestación conspicua del eminente ‘método de puesta en escena performativa’ de Tekand, que utiliza el diseño y las reglas del juego para generar y yuxtaponer la experiencia vivida por un artista y la historia de su personaje en tiempo real, borrando continuamente los límites entre personaje y actor, teatro y vida, y ficción y realidad. En el escenario, las órdenes visuales son directas: cruzar los brazos, cruzar las piernas, poner la mano en la cara, girar a la izquierda/derecha. Cada vez que Özşener intenta decir o hacer algo fuera de las órdenes, un ruido fuerte y discordante lo pone en su lugar. Las órdenes interrumpen constantemente lo que el intérprete tiene que decir o hacer, y moldean su cuerpo, su lenguaje y, en última instancia, su actuación, obligándolo a hacer lo que se le dice dentro del marco literal y las fronteras simbólicas dentro de las cuales está atrapado. Aquí, las reglas moldean tanto la actuación de Özşener como actor como la existencia del personaje como ser humano. Cuanto más siguen y se ajustan a estas estructuras, más atrapados quedan y, en última instancia, se disuelven en la cultura de la homogeneidad donde las diferencias y la resistencia son reprimidas y no toleradas.
Uno de los momentos más notables de la actuación es cuando Özşener identifica nuestra existencia contemporánea a través de una analogía: cada uno de nosotros vivimos “como una rana en agua lentamente calentada que está diseñada completamente fuera de nuestra voluntad”. Luego, concluye: ‘lo más aterrador es la posibilidad de que hayamos agotado las fuerzas y los medios para salir del agua que ya ha empezado a hervir’. A continuación, Özşener plantea cuestiones filosóficas simplemente utilizando la silla en la que ha estado sentado durante toda la actuación. Nos cuenta lo incómoda que es la silla y enfatiza que el problema no es la silla, sino la relación entre la silla y su trasero. Luego señala que necesita cambiar la forma de esta relación levantándose y marchándose. Mientras se levanta y gravita hacia la salida, se detiene y permanece dentro de los límites del marco: “Debe haber otra manera de actuar”. A medida que nuestras diferencias y nuestra libertad de mente y cuerpo se corroen hasta convertirnos en un estado de silencio, cada vez más le tememos a nada más que al miedo mismo. El personaje tiene miedo de irse y más aún de lo que pueda pasar si sale. Es este miedo el que nos gobierna y nos atrapa, erosionando nuestra agencia y capacidad para desafiar o romper con las estructuras que nos rodean. En el escenario, Özşener pregunta: ‘Si una persona no puede saber, no puede preguntar, no puede recordar o no puede pensar, ¿cómo puede encontrarlo extraño? (…) ¿Nunca más habrá esperanza?
Adesgaste es un grito revelador y esperanzador contra los regímenes opresivos en los que vivimos, ya sea que vivamos en uno extremadamente prohibitivo que excluye el debate y el compromiso antagónico, o en un régimen llamado liberal donde el espectro de opiniones aceptables es limitado y la libertad de expresión está sistemáticamente predeterminada. Al hacer estas preguntas, Adesgaste destaca las estructuras que nos corroen en el mundo actual. Hace visibles los sistemas que están profundamente arraigados en nuestra existencia cotidiana, invitándonos a verlos, pensarlos, cuestionarlos y pensar de lo contrario. La actuación de Özşener es un acto de arte impresionante y nada menos que excepcional; su impecable uso del lenguaje con una velocidad deslumbrante y el uso expresivo de su cuerpo de acuerdo con las órdenes audiovisuales mantuvieron hechizado al público. Hipnotizados por su electrizante actuación, el público preguntó a Özşener durante la sesión de preguntas y respuestas si cree que el teatro puede revolucionar la sociedad. De una manera que recuerda a Agusto Boal, Özşener respondió: “No creo que el teatro pueda revolucionar la sociedad, pero puede transformar a las personas que harán posible la revolución”. Adesgaste nos deja con un sentido de valor y esperanza; la revolución comienza ahí, en lo profundo de nosotros.
Adesgaste / Corrosión
octubre, 2025
Centro de artes de Battersea
La versión completa del artículo “Aşınma” (“Corrosión”): Una obra maestra en solitario sobre el ser humano contemporáneo está disponible en The Theatre Times.
