Vi por primera vez la película de Rainer Werner Fassbinder, Las bodas de Maria Braun, poco después de su estreno, cuando yo era estudiante de teatro y cine. Nos interesaban las “películas artísticas” europeas, las de Bergman, Felini, Fassbinder y otro cineasta alemán de fama mundial, Werner Herzog. Mi interés por Thomas Ostermeier y la Schaubühne surgió a través de mi interés a lo largo de los años por los directores de teatro de autor, desde Meyerhold hasta Brook, Andre Șerban, Ivo Van Hove y Thomas Ostermeier. Me interesaron principalmente dos aspectos de esta producción: cómo se adaptó la película al teatro en vivo y cómo la interpretación de la historia era similar y diferente a la película de Fassbinder.
Los acontecimientos de la historia son los siguientes: María se casa con Herman Braun y pasa una noche con él antes de que vaya a la guerra. Lo declaran muerto y luego María se involucra con un soldado estadounidense negro. Cuando están a punto de tener relaciones sexuales, Herman aparece en la puerta. Herman y el soldado estadounidense pelean y María lo mata. Herman dice que él fue quien mató al estadounidense y es enviado a prisión. Se involucra con su empleador, Oswald, quien, a espaldas de María, le deja dinero a Herman siempre que no regrese después de su liberación. Oswald muere, María y Herman se reencuentran después de diez años. Se han convertido en completos extraños el uno para el otro. En la película, María abre el gas para encender su cigarrillo pero no lo cierra. No mucho después, la casa, con Herman y ella adentro, explota.
La historia, tanto en la película como en la producción de Schaubühne, trata de recordar la propia historia, por dolorosa que sea, para no repetirla. En la película, María y su marido se casan mientras caen bombas sobre ellos. Luego los seguimos hasta el período de posguerra. En la adaptación escénica se añade un marco al principio. Cuando el público entra al teatro, los actores se pasean por el escenario en silencio, con poca luz y disfrazados. ¿Son los personajes? ¿Son ellos mismos, los actores? Luego, comienza una presentación de diapositivas a la antigua usanza que documenta a Hitler y la era nazi. A esto se suma que los actores leen cartas de adoración escritas al Führer por escolares de la época. Este marco opera en muchos niveles al mismo tiempo. Sin embargo, también existe la realidad de que una audiencia alemana moderna es testigo de estas mismas imágenes y palabras.
Como estadounidense y como ser humano, recordé los peligros del totalitarismo, un concepto que ahora tiene cierta resonancia en Estados Unidos, donde algunos temen un poder ejecutivo demasiado poderoso. Ver las imágenes del fascismo y escuchar las voces de quienes lo apoyaron se siente especialmente importante dado que esta producción se lleva a cabo en un lugar mucho más alejado de la Segunda Guerra Mundial que la película cuando se hizo en 1978. Aquí tenemos un uso de la producción del Efecto Alienación, un dispositivo que Bertolt Brecht hizo popular. Estamos invitados a reflexionar como espectadores sobre el descenso de Alemania al fascismo. Este efecto de alienación continúa a lo largo de la producción de varias maneras: los actores llevan visiblemente una máquina de humo, los actores miran hacia el público, el conjunto de cuatro actores masculinos desempeñan todos los papeles subordinados, incluidos los personajes femeninos, cambiando pelucas o piezas de vestuario. Fassbinder también interrumpe nuestra inmersión en su película: mediante el uso de música melodramática y mediante acciones escénicas, como cuando el personaje de Maria Braun mata a su amante en una escena torpemente escenificada. Otro efecto de alienación presente tanto en la película como en la producción es el uso de transmisiones de radio. Aquí está el nivel político, ya que primero escuchamos que Alemania Occidental no se rearmará y luego, años más tarde, que se rearmará.
Al final tanto de la película como de la producción tenemos el anuncio de que Alemania ha ganado el Mundial. Esto nos sitúa una vez más firmemente en el tiempo. Tanto en la película como en la producción, entendemos poco de cómo se siente María al matar a su amante, excepto que dice que le tenía cariño. Se evita la motivación psicológica. Esto nos impide identificarnos con el personaje como personas. Sólo conocemos los hechos: que su marido decide asumir la culpa. Quizás nos queda reflexionar sobre la necesidad de sobrevivir, la necesidad de dinero para comer, en resumen, cómo el capitalismo ha creado estas trágicas consecuencias.
En cuanto a la adaptación teatral, hay muchos ejemplos en los que Ostermeier utiliza el arte del teatro en vivo. Por ejemplo, está la escena del atentado durante la ceremonia de boda de María. Vemos imágenes de aviones volando, proyectadas sobre una malla detrás de la pareja, en lugar de cualquier esfuerzo por duplicar el “realismo” que se hace en la película de Fassbinder, donde escuchamos y vemos bombas cayendo sobre la pareja mientras hacen sus votos. En lugar de cortes de una escena a otra en la película, las transiciones las hacen los actores: un actor pasa al personaje del médico simplemente metiendo las manos a través de un abrigo hacia atrás y sosteniéndolas como si llevara guantes esterilizados y estuviera listo para operar.
Como estadounidense, era consciente de una diferencia cultural. Si bien teatralmente era lógico que un hombre blanco interpretara a una persona de color (después de todo, los hombres interpretan a mujeres), esta podría ser una elección más problemática en los EE. UU. dada nuestra historia de esclavitud y Jim Crow. Fue una buena elección por parte del actor no interpretar a un “hombre negro”, sino simplemente mediante un cambio de voz definirlo como suave.
Aunque la producción de Ostermeier se asemeja mucho a la película en muchos aspectos, existen algunas diferencias. Una diferencia en la producción es que María estrangula deliberadamente a su amante, mientras que en la película simplemente lo golpea en la cabeza con una botella, donde la intención de matar es menos clara. En la producción de Schaubühne se deduce lógicamente que María tomó la decisión consciente de volar su nuevo hogar, ella y su marido. Por el contrario, en la película, Fassbinder dejó este final ambiguo. Hana Shugyla interpreta a María distraída al final y existe la posibilidad de que se olvide de cerrar el gas. En Fassbinder, la vida y obra de un genio provocativoChristian Braad Thomsen escribe que fue a instancias de Hana Schugula que Fassbinder cambió el final de homicidio/suicidio deliberado a algo menos claro: quizás deliberado, quizás inconsciente. En la producción de Schaubühne tenemos a María impulsada por las circunstancias de la necesidad no solo de sobrevivir, sino también de su deseo de preservar su matrimonio en una sociedad capitalista donde sobresale pero al final se siente vacía. El efecto de la traición tanto de su marido como de su amante en el final me quedó más claro al final de la producción teatral.
Aunque admiraba la inventiva del conjunto y su capacidad para encontrar muchos colores en sus representaciones, así como su abundante humor, a menudo me sentí distanciado, más que en la película. Me alegré de poder identificar la relación entre María y su empleador/amante, Oswald. La adoración del actor Thomas Beding por María y su vulnerabilidad eran palpables.
Para mí fue fascinante ver la adaptación de Ostermeier de Las bodas de Maria Braun en la Schaubühne por su teatralidad y su particular inclinación hacia la película de Fassbinder, así como por la habilidad de los intérpretes. Y, después de todo, en última instancia, el cine pertenece al director y el teatro pertenece al intérprete.
El matrimonio de María Braun
Según el original de Rainer Werner Fassbinder
Guión: Peter Marthesheimer y Pea Frohlich
Dirigida por Thomas Ostermeier
Ursina Landi como Maria Braun, con Sebastian Scwartz, Thomas Beding, Robert Beyer y Martz Gottwald.
La versión completa del artículo Fassbinder sube al escenario del Schaubühne está disponible en The Theatre Times.
