En enero, la ciudad de Nueva York Festival bajo el radar presentó algunos de los trabajos más innovadores y estimulantes del escenario contemporáneo. La edición de este año, la más grande del festival hasta la fecha, contó con 30 producciones en 24 sedes. Tres obras, en particular, se destacaron como emblemáticas del espíritu vanguardista de Under the Radar.
Los visitantes
La producción galardonada viajó más de 20 horas desde Sydney, Australia, hasta Nueva York, trayendo una historia que resuena profundamente en el público estadounidense.
Creado por la dramaturga de las Primeras Naciones Jane Harrison y dirigido por Wesley Enoch, una voz líder en el teatro indígena, Los visitantes examina un momento crucial en la historia de Australia: enero de 1788, cuando llegaron por primera vez los colonizadores británicos.
En el escenario, siete líderes aborígenes, descalzos pero vestidos con traje de negocios, se reúnen como una misteriosa flota de nawi (barcos gigantes) comienza a llenar la bahía.
La obra persiste en el momento previo al cambio irrevocable, cuando la invasión es inminente pero aún no completa, lo que permite al público sentarse dentro de la tensión, la incertidumbre y el peso moral de una decisión imposible: aceptar o luchar contra los extraños.
Los personajes abren la obra hablando sus lenguas tribales antes de pasar al inglés conversacional. Su discusión se desarrolla como una lluvia de ideas corporativa interminable, donde cada elección posible conlleva consecuencias irreversibles y no hay una solución clara a nuestro alcance.
Al centrarse en los primeros días de la colonización, Los visitantes presagia las oscuras realidades de violencia y enfermedades futuras, utilizando el pasado para plantear preguntas sin resolver, incluido cómo las comunidades indígenas llegaron a permitir la entrada de invasores a sus tierras.
En última instancia, la obra ofrece su propia respuesta. Profundamente conectados con su país, los siete líderes creen que los recién llegados no pueden permanecer en tierras que no son suyas.
En los momentos finales, los artistas dan la vuelta a sus trajes de negocios, revelando patrones indígenas debajo (diseño de vestuario de Elizabeth Gadsby) y se ponen de pie para dar la bienvenida a los invasores que nunca aparecen en el escenario.
La mayor parte del elenco (Najwa Adams-Ebel, Sean Dow, Kyle Morrison, Beau Dean Riley Smith, James Slee-Stanley, Guy Simon y Zoe Walters) comparten herencia aborigen.
Hasta el 1 de febrero en el Perelman Performing Arts Center, Los visitantes está coproducida por Moogahlin Performing Arts y Sydney Theatre Company.
Todo lo que cae
En Todo lo que caeobra radiofónica de Samuel Beckett de 1957, el escenario mismo se convierte en la presencia central.
Para esta producción, Mabou Mines, el legendario colectivo teatral de Nueva York, colabora con la directora JoAnne Akalaitis, quien traslada la acción de la Irlanda rural a Nueva Escocia.
El cambio es más geográfico que conceptual: Akalaitis preserva la lógica incorpórea del original, escenificando la obra como un paisaje sonoro vivo en lugar de un drama tradicional.
Lo que surge es una producción que honra la resistencia de Beckett al espectáculo y al mismo tiempo encuentra un lenguaje teatral propio, uno en el que la atmósfera reemplaza a la acción.
Escrita expresamente para su difusión (y protegida durante mucho tiempo por el patrimonio de Beckett como obra auditiva), la obra sigue siendo una de las menos representadas, en parte porque se resiste a la encarnación teatral convencional.
Un diorama de pueblo en miniatura, diseñado por Thomas Dunn, llena el escenario, mientras los artistas están presentes como voces. El diseño de sonido de Bruce Odland y la iluminación de Jennifer Tipton hacen gran parte del trabajo expresivo, dando forma tanto al estado de ánimo como al ritmo.
La pieza sigue a Maddy Rooney, una mujer anciana que lucha físicamente, en su lento viaje a la estación de tren local para encontrarse con su marido ciego, Dan. En el camino, se encuentra con vecinos que llenan el aire de charlas triviales, quejas y humor incómodo.
El tren está retrasado. Cuando los Rooney se reúnen, regresan a casa, llevando consigo indicios de una tragedia tácita (posiblemente la muerte de un niño) que permanece sin resolver.
Como en gran parte de la obra de Beckett, el movimiento narrativo es mínimo; el peso recae en cambio en la decadencia, la repetición y la silenciosa crueldad de la vida ordinaria.
Ulises
Si se encuentra entre los muchos lectores que se han acercado a la obra de James Joyce Ulises sólo para abandonarlo, intimidado por sus enigmas y digresiones, Servicio de reparación de ascensoresLa versión escénica de casi tres horas ofrece una segunda oportunidad tonificante.
La producción avanza rápidamente a lo largo de un solo día en Dublín, el 16 de junio de 1904, siguiendo los caminos errantes del joven intelectual Stephen Dedalus y el silenciosamente observador Leopold Bloom.
El fundador de ERS, John Collins, dirige la obra creada por la compañía con codirección y dramaturgia de Scott Shepherd, quien introduce la velada recordando a la audiencia que “cada lectura de Ulises Es una mala interpretación”.
Esta adaptación, señala, abraza alegremente esa idea, continuando la confusión y la controversia que Joyce claramente pretendía.
Siete artistas (Dee Beasnael, Kate Benson, Maggie Hoffman, Vin Knight, Scott Shepherd, Christopher-Rashee Stevenson, Stephanie Weeks) comienzan sentados para una lectura sencilla, solo para entrar en acción cuando el texto toma el control.
Se beben pintas, se lanzan puñetazos y las voces de Joyce pasan de cuerpo en cuerpo mientras el conjunto recorre los muchos estilos de la novela.
La mecánica de la puesta en escena mantiene el dinamismo. El texto de Joyce se proyecta a través de dos pantallas en la parte trasera del cine, a veces avanzando rápidamente a medida que se saltan capítulos, acompañado por el sonido familiar de la cinta avanzando rápidamente.
Un gran reloj restablece la hora a medida que la acción avanza a lo largo del día. El sonido (Ben Williams), la iluminación (Marika Kent) y los efectos escénicos llenos de niebla dan forma al ritmo.
El giro más salvaje de la producción llega en el segundo acto con el episodio de la sala de maternidad, escenificado como un exceso cómico y grotesco: un actor da a luz en el escenario mientras la prosa de Joyce muta a través de siglos de inglés.
La nacionalidad emerge en fragmentos a través del antisemitismo casual, la retórica inflada en las salas de redacción y las conversaciones en los pubs que se deslizan hacia la exclusión. Bloom pasa por todo esto como una figura de pertenencia no resuelta.
La velada cierra con el soliloquio sin puntuación de Molly Bloom. Sus pensamientos sobre los hombres, el deseo, la memoria, la irritación y el placer se acumulan hasta que el “sí” final llega no como un romance, sino como una afirmación forjada a partir de la experiencia.
ERS Ulises No hace que Joyce sea fácil. Lo hace jugable y, sorprendentemente, divertido.
Esta publicación fue escrita por Victoria Zavialova.
Los puntos de vista expresados aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestros puntos de vista y opiniones.
La versión completa del artículo El festival Under The Radar de Nueva York utiliza lecciones del pasado para dar forma al futuro está disponible en The Theatre Times.
