Juan Mayorga comenzó a escribir El jardín quemado (El jardín chamuscado) en 1996, completándolo al año siguiente. Casi treinta años después, Mayorga la dirige en el Teatro de la Abadía de Madrid. Es la cuarta de sus obras que representa allí desde que asumió la dirección artística del teatro en 2022 – presentó La colección (La Colección) en 2024 y los yugoslavos (Los yugoslavos) en 2025. La producción de una obra de Mayorga de Mayorga se siente como un evento anual bienvenido en la Abadía.
El jardín quemado está ambientada a finales de la década de 1970, mientras España está negociando su transición a la democracia. Esta es la isla de San Miguel donde el joven y prometedor médico Benet ha venido a visitar al Dr. Garay, un psiquiatra experimentado al que admira mucho y que supervisa un centro especializado en salud mental. El sonido de la bocina de un barco y el sonido de las gaviotas sugieren una ubicación costera. La llegada de un outsider, Benet, es el catalizador para desvelar una serie de secretos guardados dentro de la institución, secretos que Garay ha protegido, pero que Benet está dispuesto a desentrañar y exponer como injusticias. Garay quiere que las cosas sigan como están. En muchos sentidos, esta es una obra de conflicto clásica, en la que un extraño entra a cuestionar el orden establecido. Hay unidad de tiempo, lugar y acción que mantiene enfocado el argumento. Fundamentalmente, sin embargo, El jardín quemado También es una alegoría más amplia de la transición de España a la democracia.
El set de Elisa Sanz ofrece un escenario casi vacío al que le queda un árbol; dos asientos descansan debajo del árbol. Un escenario de banco a la derecha. Es un espacio que tiene una sensación de anonimato, difícil de precisar. Su franqueza es una señal para no leer esta obra demasiado literalmente. La iluminación de Juan Gómez-Cornejo ofrece focos de acción: la oficina de Garay, la costa donde Benet se encuentra con el enigmático Periquito que posa como una estatua en una especie de gesto performativo, el jardín chamuscado donde juegan los reclusos.
En el centro de la obra está el misterio de lo que les sucedió a doce hombres sanos que fueron institucionalizados durante una guerra no especificada. Los doce pacientes cuyos pasados desconocidos tanto fascinan a Benet son objetos por los que se pelea. Cada uno de los médicos puede afirmar que los ve como sujetos, pero cada uno quiere imponer su versión de lo que es necesario abordar. Los cuatro pacientes que el público ve flotan por el escenario como fantasmas. Vestidos de blanco, deambulan como niños perdidos: Osvaldo cría perros imaginarios. Calatrava, canta ópera ante un público imaginario mientras Néstor y Pepe quedan atrapados en un interminable juego de ajedrez (con un tablero y piezas invisibles) que no tiene principio ni fin. Todos son personajes quijotescos que buscan refugio en mundos imaginarios, curiosamente desvinculados de su entorno. El árbol solitario que descansa en el jardín con algunas naranjas sugiere algo del estilo de Beckett. Esperando a Godot. Los hombres esperan sin saber lo que vendrá. También podrían ser una reencarnación de Segismundo, el Príncipe de Polonia de Calderón. La vida es un sueño que no comprende los límites entre lo real y lo imaginado. No hablan de su dolor ni de su situación, pero su presencia domina el escenario y, aunque no sean tan vocales como Garay o Benet, Mayorga los convierte en muchos sentidos en el eje de la obra.
Las primeras escenas entre Benet y Garay contienen bromas, pero pronto se dejan de lado. Benet quiere sugerir algunos cambios para el funcionamiento de la institución. Garay sigue intentando cambiar la conversación. Garay ha dirigido la institución desde la guerra civil y se siente responsable hacia los hombres a su cargo. Benet quiere saber qué pasó en el pasado: quiere “descubrir” la verdad, convencida de que los doce hombres eran prisioneros políticos fusilados por las fuerzas de la oposición durante la guerra anónima. Pero cada una de estas mujeres tiene una versión diferente de la verdad y los hombres se niegan a dar ningún tipo de respuesta. Los debates cada vez más acalorados entre Benet y Garay, basados más en la sospecha que en la confianza, contrastan con el comportamiento onírico de los pacientes.
Benet insiste en que quiere respuestas; ella insiste y persiste: ¿qué pasó con el poeta Blas Ferrater que era uno de los doce pacientes? Está dispuesta a buscar pistas en los archivos de forma forense, pero el pasado no se puede reconstituir. Garay aboga por el olvido: “Deje a los muertos enterrados”. Benet no puede hacer eso. En un momento en que los debates en torno a las fosas comunes anónimas de la Guerra Civil española, incluida la del poeta y dramaturgo Federico García Lorca, siguen siendo tan proféticos, la obra de Mayorga proporciona un medio para reflexionar sobre cuestiones de memoria, exhumación e historia. Blas Ferrater podría verse como un sustituto de Lorca, un poeta desaparecido que funciona como símbolo de lo que se perdió con el golpe de Estado que condujo a la Guerra Civil, pero éste no es un paralelo simplista. Hay indicios de que Blas pudo haber dañado y desfigurado a Periquito. ¿Despreciaba a sus colegas de clase trabajadora en la institución? ¿A quién podemos creer? El poeta que Benet tanto idolatra quizá no fuera una persona tan amable. Los ídolos rara vez están a la altura de las expectativas que se les ponen.
No hay nada que sugiera inmediatamente que la ubicación sea España: la isla no tiene nombre, hay referencias a una guerra civil, en lugar de la Guerra Civil Española, pero como en la obra de Antonio Buero Vallejo, el contexto y las conversaciones dejan pocas dudas de que se trata de una obra sobre el pasado de España y su continuo impacto en el presente. Los cambios de Mayorga al texto son sutiles pero importantes. Se han eliminado las referencias a España (a la Batalla del Ebro o la dictadura); no hay exhumación, sólo palabras que señalan y sugieren.
De hecho, esta es una obra que no renunciará a sus misterios: ¿fueron los hombres colocados en la institución para protegerlos de las fuerzas de la derecha? ¿Fueron efectivamente mantenidos como prisioneros políticos? ¿O necesitaban ayuda? Mayorga ha descrito esto como una obra de teatro sobre la “zona gris”: las incertidumbres de lo que nunca podrá saberse. Garay y Benet se aferran a certezas particulares, pero sus inflexibilidades conducen a un callejón sin salida donde la colaboración y las concesiones parecen cada vez más imposibles. En un momento en que las posiciones políticas parecen cada vez más rígidas, El jardín quemado defiende la escucha y las posibilidades de lo que podría significar llegar a un acuerdo. ¿Por qué vale la pena luchar y por qué?
Adriana Ozores y Loreto Mauleón son excelentes como doctoras en guerra, ambos papeles inicialmente concebidos como masculinos. Ozores es más joven que la figura anciana concebida en el draft original de 1997. Ella infunde a Garay una cualidad jovial, la sensación de una mujer cómoda en su papel que sabe cómo mantener a raya a las autoridades. Puede que no haya compasión demostrativa, pero sí cuidado, resiliencia y sentido de pragmatismo. Su enfoque no logra mucho éxito con Benet, más inquieto e impaciente, que carga lleno de ideas sobre las que ella no cederá y que no aceptará un no por respuesta.
Se trata de una obra filosófica, donde la puesta en escena nos invita a escuchar con atención y empatía. Mayorga ordena mantener el ritmo constante y sin prisas. La partitura de Jaume Manresa (música de percusión que casi funciona como un metrónomo para mantener el ritmo) anima al público a prestar atención a lo que escucha. Mayorga no nos da un teatro de acción; La suya es una dramaturgia de contemplación y reflexión, donde los matices del lenguaje pasan a primer plano. Donde Garay ve un jardín, Benet ve un patio: el mismo espacio evoca una realidad diferente para cada mujer; y es en la negociación de estas diferencias donde radica nuestra capacidad de empatía. Se trata de una tragedia que lleva el peso de la historia reciente de España sin optar jamás por un cierre catártico o un final fácil. Navegar por un pasado difícil no es fácil. El teatro de Mayorga recuerda al público las complejidades que implica navegar en una zona gris donde los absolutos rara vez proporcionan una estrategia eficaz hacia la reconciliación.
El jardín quemado Se presentará del 27 de mayo al 12 de julio en el Teatro de la Abadía de Madrid y luego estará de gira.
Esta publicación fue escrita por Maria Delgado.
Los puntos de vista expresados aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestros puntos de vista y opiniones.
La versión completa del artículo Memoria histórica en escena: “El Jardín Quemado” de Juan Mayorga está disponible en The Theatre Times.
