La Bienal de teatro de este año (7 al 21 de junio), con Willem Dafoe a la cabeza, tiene el intrigante título, Alternativa. De hecho, en el programa, el director y su equipo asesor han incluido practicantes de Italia y de muchas partes del mundo, incluidos África, Japón, Nueva Zelanda, Indonesia, Grecia e India, que están empeñados en explorar rituales y tradiciones nativos mientras los desarrollan de maneras a menudo sorprendentemente innovadoras. Dafoe describió su intención de la siguiente manera: “He tratado de invitar a trabajar en contextos teatrales, muy diferentes de los comerciales e institucionales en Occidente. Es la ausencia de familiaridad lo que nos permite descubrir los orígenes del teatro y despertar el contacto esencial entre los creadores de teatro y los espectadores. Para mí, la fuerza y la singularidad del teatro, una forma de arte total, reside en su inmediatez, en su naturaleza ritual y de encuentro de los seres humanos”.
En la 54ª edición de la Bienal de Teatro, la directora y escritora siciliana Emma Dante recibió el León de Oro, mientras que el greco-albanés Mario Banushi recibió el León de Plata (ver mi reseña de las dos primeras partes de su trilogía, Ragada y Adiós Lindita.)
Un Otelo japonés de Satoshi Miyagi
La versión de Satoshi Miyagi de la obra de Shakespeare Otelo, Mugen Noh Otelo, inauguró la Bienal de Teatro de este año. Miyagi trabajó durante muchos años con el célebre maestro japonés Tadashi Suzuki, de quien heredó el prestigioso Centro de artes escénicas de Shizuoka en 2007. Conocido por sus reelaboraciones de clásicos europeos, como medea y Peer Gynten 2017 fue el primer director asiático en abrir el Festival de Aviñón con una espléndida Antígona.
La interpretación de Miyagi de Otelo va al corazón mismo de los temas de celos, villanía y venganza que impregnan la tragedia original. Junto con el dramaturgo Sukehiro Hirakawa, explora estos aspectos, perfeccionando hábilmente la trama original y dejando solo a Otelo, Desdémona, Casio y Yago en escena, además de un coro de ocho miembros (cuatro hombres y cuatro mujeres) y una figura del Narrador, llamado Pilgrim, que, por supuesto, no está presente en la tragedia original. Como indica el título, los antiguos 14th siglo Noh forma de mugen nohcuyo enfoque principal es el regreso de un espíritu afligido, que revisita el evento traumático que lo une al mundo de los vivos, ocupa un lugar central. Miyagi explota esta estructura como un dispositivo de encuadre para su recuento de Oteloreelaborando de manera tan significativa la tragedia de Shakespeare; por ejemplo, el fantasma de Desdémona regresa para revivir su experiencia de una esposa agraviada que fue tratada injustamente.
La obra comienza con el Coro desfilando en el escenario, sentándose a la derecha del escenario e inmediatamente emitiendo una declaración de paz: “¡Guarden sus brillantes espadas!”, después de lo cual el Peregrino nos informa sobre el trasfondo político de la tragedia de Shakespeare. Su historia comienza en la zona del Arsenale de Venecia, concretamente el histórico cuartel general militar y naval, que hoy funciona como un enorme centro cultural gestionado por la Bienal. El topónimo resuena con fuerza, ya que la obra se representa en el Teatro Piccolo Arsenale, a dos pasos de los astilleros. Reiterando uno de los principios básicos del teatro Noh, el Peregrino nos invita a considerar el pasado como una presencia viva, como si las almas de los muertos todavía estuvieran presentes entre nosotros. La Venecia que evoca, además, es una Venecia de música y canto; la canción conmovedora de un gondolero llena el escenario, recordándonos la energía y las hazañas marineras de esta increíble ciudad. La música continúa impregnando la narración de Miyagi, siendo un lenguaje más importante que la palabra hablada para este director, cuyos actores también son músicos de formación.
Más tarde, el Coro narra la historia de los celos de Otelo y el posterior asesinato de su esposa, mientras que el fantasma de Desdémona ocupa el centro del escenario, vestido con un kimono inmaculado. Mientras escucha y reacciona a lo que se dice, revela una prótesis de antebrazo y una mano grande, indicando la mano que tan injustamente la asesinó. Esta mujer veneciana de clase alta, cuya voz ha sido marginada durante mucho tiempo, finalmente se escucha por encima del imperfecto héroe militar de Shakespeare. A medida que el Coro habla en nombre de Desdémona y, a veces, como si lo fuera, utilizando la tercera y la primera persona, se crea una división entre la narración y la presencia de Desdémona en el escenario. Ella permanece en silencio, su lenguaje corporal muestra sufrimiento y resignación y, a veces, determinación y fuerza luchadoras, mientras el Coro pronuncia líneas como: “Ora por la liberación de mi Espíritu”, “¿Se puede salvar a Desdémona?”, “Soy el alma de la Noble Desdémona”. Una imagen compleja del dilema y el sufrimiento de esta joven emerge gracias a una fusión magistral de palabras, música y lenguaje corporal. Al final, Desdémona abandona el escenario, acompañada de los actores-músicos, para regresar al mundo de los muertos.
Esta publicación fue escrita por Margarita Rosa.
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La versión completa del artículo Bienal de Teatro de Venecia 2026 – Un “Otelo” japonés está disponible en The Theatre Times.
