El marketing es el nuevo real. Durante muchos años, en el teatro como en otras partes de la sociedad, lo más importante no es la creatividad, la originalidad o la integridad, sino la exageración. Un buen ejemplo es Los añosLa adaptación escénica de Eline Arbo del libro más vendido de la ganadora del Premio Nobel Annie Ernaux. Después de las carreras bien atendidas en el Teatro Almeida y el Teatro InternationAal Amsterdam, la obra ahora está en el West End. Pero lo único que lleva a la publicidad al respecto no son los premios literarios de Ernaux, ni la inventiva teatral de la producción, sino el hecho de que las personas en la audiencia se desmayan durante la actuación.
Según la exageración, la escena en la que se describe gráficamente un aborto en la calle, aunque en realidad no se muestra, ha provocado que los miembros de la audiencia, en su mayoría hombres, se desmayen en cada actuación, tanto en el Almeida como en el Teatro Harold Pinter. Esta es una buena noticia para una visión estrictamente feminista del mundo: los hombres, responsables del patriarcado, no pueden tomar ni siquiera la descripción verbal de las cosas malas que infligen a las mujeres. Las mujeres, que sufren estos horrores, son más fuertes. No es de extrañar que necesitemos advertencias de activación. De acuerdo, este es un gesto poderoso, un mensaje realmente fuerte, pero ¿es realmente cierto? Soy escéptico: si bien es perfectamente posible que algunos miembros de la audiencia hayan estado enfermos, ¿es realmente estadísticamente probable que alguien se desmaye en cada programa?
La publicidad sobrecalentada aparte, la obra, que se extiende durante dos horas sin descanso (a excepción de las pausas cuando alguien se desmaya), es un relato bien equilibrado de la vida de una francesa que comienza justo antes de la Segunda Guerra Mundial y va directamente al siglo XXI. Al igual que el libro, que combina lo personal y al público, esta es también una historia de la sociedad y las actitudes sociales en una era de cambio notable. La calidad épica del proyecto se logra al hacer que cinco actores interpreten a la protagonista Annie, cada uno mostrando un lado diferente a su creciente personalidad. De los jóvenes a madurarse son Harmony Rose-Bremner, Anjli Mohindra, Romola Garai, Gina McKee y Deborah Findlay.
Las mujeres están en el escenario durante todo el tiempo, vestidas con atuendos en blanco y negro, y juegan no solo al personaje central que, como en el libro original, generalmente se refiere a sí mismos como “nosotros” en lugar de “yo”, sino también su familia, amigos y amantes. Con una mezcla de comedia y seriedad, la historia se traslada de ataques aéreos en tiempos de guerra, liberación, conflicto argelino, Vietnam, 1968, feminismo, contracultura, sociedad de consumo, bosnia, inmigración, 9/11, el surgimiento de la extrema derecha y la llegada y la llegada del mundo digital. Este trado histórico acuna los detalles más íntimos de las experiencias de las mujeres: atracción por los niños, pérdida de virginidad, aborto, matrimonio, anticoncepción, parto, amantes, así como las tareas domésticas y la carrera, y la ambición de escribir. Aunque todo esto se hace sin problemas y a veces bellamente, la narrativa lineal se vuelve un poco tediosa en los últimos 30 minutos.
Pero el principal problema con la adaptación de Arbo, traducido por Stephanie Bain, es la calidad bastante banal del texto, que es clara pero generalmente, como era de esperar, en sus pensamientos casuales sobre el tiempo, la memoria y la historia. No se dice nada sobre el amor que es original o llamativo. No se dice nada sobre el sentido emocional del tiempo que es memorable; Y la memoria, bueno, nada sobre el recuerdo contradictorioso de los desacuerdos familiares. En esta versión, Los años Es Memory-Lite, Time-Lite e History-Lite. Sí, el siglo XX está encarnado en Annie, pero de alguna manera solo de la manera más mínima, más sabrosa.
Dicho esto, la puesta en escena de Arbo tiene muchos momentos encantadores. Hay algo cautivador sobre la sensación brechtiana del escenario, y los simples accesorios de sillas y sábanas, que centra nuestra atención en los actores en la parte superior de su juego. Me encanta el desfile intermitente de fotografías familiares, que se encarnan de manera inteligente y divertida por el elenco, y en un momento se promulgan las famosas tomas cinematográficas de los estudiantes de mayo de 1968 con folletos. La música, desde Joe Dassin hasta Jefferson Airplane y Pink Floyd, funciona maravillosamente como una evocación del pasado.
Y el elenco es genial: Mohindra realiza una escena de masturbación juvenil compulsiva con enorme e hilarante, Brio, la comedia mejorada por una vívida obra de sombra; Por el contrario, la pérdida de virginidad de su personaje es dolorosa, incómoda sin alegría y plantea preguntas inevitables sobre el consentimiento. Garai nos habla a través de la escena del aborto con calma puntiaguda, mientras que McKee da un relato alegre del deseo obsesivo, una silla que se convierte en su amante. El sexo maduro con hombres más jóvenes es bellamente descrito por Findlay, y en todo Rose-Bremner lidera el canto. Y todas las mujeres realizan un entrenamiento satírico de Jane Fonda Aerobics.
A pesar de la diversión, y aquí hay mucho entretenimiento, algunas personas pueden pensar que el enfoque en el cuerpo femenino es un poco reductivo. La imagen del escenario presenta una hoja manchada de pintura roja brillante, y la idea de que las mujeres se pueden resumir mediante imágenes de sangre, semen y lágrimas es cliché y extrañamente tradicional. El lado psicológico e intelectual del viaje de Annie a lo largo de las décadas realmente está minimizado, aunque hay un par de buenas bromas sobre Simone de Beauvoir. En cambio, es el castigo de los cuerpos de las mujeres lo que se pone en primer plano.
Claramente, esto es más evidente en la escena del aborto, cuyos detalles son desgarradores. Mirándolo, te asombran sobre la política del episodio: por un lado, mostrar los horrores de las terminaciones de Backstreet alienta a todos a valorar las leyes que protegen el derecho de una mujer a elegir en Europa, incluso cuando estos derechos se retiran en los Estados Unidos. Por otro lado, la representación gráfica de incidentes horribles, como estos, inconscientemente proyecta la idea de que el aborto, en cualquier situación, médico o no, siempre debe ser traumático? Seguramente esta no era la intención de Ernaux.
Los años tiene algunas cosas, a menudo bastante obvias, que decir sobre la familia como el sitio de la experiencia compartida habitual, sobre cómo los recuerdos se colocan a lo largo de las décadas y sobre cómo se siente más profundamente el dedo del pie personal, un dedo del pie quince que los asuntos mundiales. La serenidad a la que llega Annie después de unos 60 o 70 años de consumismo, desde lavadoras a través de reproductores de discos hasta caminatas y computadoras, se siente, al menos en esta versión, como un ejemplo de complacencia provincial de Petit-Bourgeois. Como las mujeres en Tres hermanasella anhela la metrópoli, para París, pero le toma tiempo llegar allí.
Arbo dirige este espectáculo con un talento teatral considerable, ayudado por el diseño de Juul Dekker, que le da mucho espacio al escenario no solo a una mesa, que sirve como el sitio de casi todo, sino también a grandes sábanas blancas, dos de las cuales están atadas con la Palabras “puta” y “elección”, más otra que está salpicada de sangre. Una vez más, el sentimiento es que la mujer es igual a cuerpo. Entonces, aunque el elenco es impecable, mis dudas permanecen: ¿no es hora de mostrar el viaje de la vida de una mujer como igual equilibrio entre el cuerpo y la mente, la familia y la carrera, lo físico y lo intelectual?
- Los años está en el Harold Pinter Theatre hasta el 19 de abril.
Esta publicación fue escrita por Aleks Sierz.
Las opiniones expresadas aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestras opiniones y opiniones.
La versión completa del artículo The Years the Years en el Harold Pinter Theatre: el libro de la ganadora del Premio Nobel Annie Ernaux obtiene una problemática puesta en escena del extremo oeste está disponible en The Theatre Times.
