Este verano la Volksbühne de Berlín presentó Los visitantesuna nueva obra de la coreógrafa Constanza Macras. La pieza reúne a la compañía de danza berlinesa Dorky Park y a jóvenes bailarines sudafricanos del Windybrow Arts Centre y proyectos sociales del distrito de Hillbrow, en Johannesburgo. Utilizando la estética del cine de terror de clase B como tejido de conexión, Los visitantes une escenas de la vida cotidiana durante el apartheid, el crimen y la pobreza en el paisaje urbano y la disfunción burocrática basada en las experiencias vividas de los Hillbrowers.
La actuación se inicia con dos niños que cuentan una representación simbólica de la historia del apartheid en una historia de fantasmas sobre una casa embrujada de la infancia. Un día, los “Otros”, incognoscibles pero amenazantes, ocuparon la mitad de la casa, dejando al hermano y a la hermana viviendo bajo un miedo constante en su propio barrio. El nombre de la producción, Los visitantesaparentemente se refiere a estos fantasmas, monstruos y pesadillas no invitados que acechan a los vivos. La introducción presenta el escenario como un lugar embrujado, que se extiende en la zona liminal entre los vivos y los muertos, la realidad y las pesadillas. A continuación, el público fue transportado al icónico edificio de apartamentos Ponte City en Hillbrow representado por un cilindro textil cómicamente enorme pero endeble suspendido en el aire. Ponte City fue diseñado como un edificio residencial de alta gama con tiendas minoristas y una pista de esquí cubierta, pero fue abandonado en la década de 1990 después de que la tasa de criminalidad se disparara en el área y los gánsteres se mudaran al edificio. Hoy, alberga residentes de bajos ingresos, la mayoría negros e inmigrantes. Cuando los bailarines, compuestos por jóvenes y niños, salieron gateando de debajo de “Ponte City” y llenaron el escenario, el público sintió el impacto de la vida superpoblada de los residentes con una sensación palpable de caos y bullicio. En la siguiente secuencia, los bailarines representaron escenas de pobreza y crimen en el centro de la ciudad a través de parodias de los tropos del cine de terror. Una pelea de pandillas, por ejemplo, se personificó a través de la imitación del apocalipsis zombi, donde los hombres no muertos caen al suelo y se levantan de nuevo para reanudar la pelea, prolongando la violencia en repeticiones. Una de esas secuencias recreó la trama clásica en la que un asesino en serie acechaba a una rubia. Los bailarines se vistieron como tres pares de rubias idénticas y los asesinos-acosadores corrieron en un laberinto de espejos móviles. En esta casa de espejos, las rubias y los asesinos se perseguían al azar, aparentemente atrapados en un bucle interminable de violencia sin sentido, donde ya no se podía seguir la pista de las posiciones de perpetración y victimización.
La producción se explicó por sí sola su forma de terror B. Una bailarina visualmente no binaria contó su experiencia de estudiar danza en Alemania. Según ella, la clase no bailaba tanto, pero todos hablaban mucho de Deleuze, lo que la deprimía. Incapaz de conseguir un trabajo en la escena de la danza propiamente dicha después de la graduación, la bailarina por casualidad se convirtió en coreógrafa de películas de terror B. El horror corporal, los espasmos y las contorsiones se convirtieron en el lenguaje de la coreógrafa, el que mejor podía expresar su realidad vivida. Esto me recuerda al Teatro de la crueldad de Antonin Artaud, que también se basa en formas físicas extremas que son visceralmente inquietantes y sensualmente reverberantes para revelar la verdad de la crueldad cósmica que subyace a la realidad cotidiana. Tal crueldad no se refiere simplemente a la muerte o a la “sangre”, sino a la condición de que “no somos libres y el cielo todavía puede caer sobre nuestras cabezas”. Los visitantes Expresaron físicamente esta privación de libertad y del derecho a vivir en un contexto histórico, articulando las fuerzas del colonialismo, el capitalismo, entre otras instituciones de violencia en la vida cotidiana de Hillbrow a través de la crueldad del horror B. Imitando zombis, monstruos, asesinos en serie y fantasmas, los bailarines transformaron el escenario en una zona liminal donde la división entre la vida y la muerte, o entre lo vivo y lo muerto, se volvió borrosa e indiferenciable. La inquietante actuación reveló la cosificación y cosificación de la gente de clase baja de Hillbrow post-apartheid en los vínculos duales del aparato colonial-neoliberal que niega sus vidas. Actuando como muertos vivientes en el escenario, los bailarines representaron vidas agotadas animadas por un poder invisible pero ineludible, obligados a caminar en círculos en un mundo sin esperanza.
Los visitantes No es necesariamente innovador en el uso de formas de actuación despersonalizadas, grotescas y mecánicas para representar la deshumanización. El Teatro de la Muerte de Tadeusz Kantor, por ejemplo, tiene actores que imitan el movimiento mecánico y accidentado de las marionetas para representar vidas petrificadas por el trauma. Sin embargo, Los visitantes Pero no se detiene aquí. La imitación aparentemente mecánica de los bailarines de monstruos inhumanos y sin alma no equivalía a una repetición cliché de estos tropos. Más bien, mostraba una cita de estos estereotipos mediada por reflexiones críticas y humor lúdico. Las parodias de los bailarines de los asesinos, monstruos y zombis misteriosos (que a menudo llevaban estos tropos al absurdo mediante la exageración y la repetición cómicas) no solo actuaban como comentarios sociales sobre los problemas de la violencia sistémica, la pobreza y el trauma, sino que también implicaban que el horror es algo artificial y ridículo, como una película de terror barata. Estas intervenciones autoconscientes recontextualizaban la coreografía en una negociación continua entre las fuerzas en pugna de la muerte y la vida, a través de la cual prevalecían la voluntad de vivir y la sabiduría de vivir de las personas. En lugar de una historia de deshumanización, Los visitantes Poco a poco se fue revelando la historia de la supervivencia y la fortaleza de una comunidad que aún es capaz de imaginar un futuro en un lugar aparentemente apocalíptico.
A medida que avanzaba la actuación, la vivacidad de los bailarines se iba haciendo cada vez más patente a través de la coreografía grotesca, transformando el escenario en un campo de batalla entre la vida y la muerte. Los diseños de escenografía y vestuario lograron estructurar maravillosamente esta tensión entre la muerte y la vida. El diseño de la escenografía era frío y distante: un paisaje urbano apocalíptico y embrujado que emitía vibraciones de “espacio liminal” y estética “weirdcore”. El diseño de vestuario era cálido: lúdico, colorido y a menudo con un código queer. Mientras tanto, los intérpretes cambiaban el aire del teatro de un lado a otro entre el horror/desesperación y la alegría/vigor a través de sus innumerables alteraciones de gestos, ritmo y sonido. En una escena, los bailarines sufrían convulsiones y espasmos en el ayuntamiento kafkiano. En la siguiente escena, se levantaban del suelo con un cambio de ritmo y comenzaban a caminar por la pasarela en un desfile de moda improvisado. Los bailarines, ataviados con extravagantes prendas confeccionadas por ellos mismos, mantenían la cabeza en alto mientras una voz en off presentaba las breves biografías de estos residentes de Hillbrow. En momentos como este, la producción hizo lo fantástico de afirmar la vida y negar las representaciones de las negaciones. El desfile de moda concluyó con un agudo grito que podría ser un llanto o una risa, recordándome que la resistencia y la supervivencia de los subalternos son siempre, en el mejor de los casos, agridulces.
Hacia el final de la obra, un actor comentó que el tropo del apocalipsis zombi tiene una lógica inherentemente colonial, ya que se basa en una fantasía de Robinson Crusoe: un hombre (blanco) conquista paisajes “incivilizados” y subyuga al “bárbaro”. Según esta cosmovisión, los residentes de Hillbrow solo podían desempeñar el papel de zombis. Los bailarines procedieron a parodiar una escena de zombis matándose sin pensar unos a otros, que también se parecía a las representaciones estereotipadas de los bárbaros de la Edad de Piedra. Empleando las técnicas de exageración y repetición al extremo, los bailarines alargaron esta escena de humanos matándose sin pensar una y otra vez hasta una duración insoportable, agotando al público hasta el aburrimiento, la irritación y la abyecta sensación de estar atrapado en un bucle de horror sin esperanza. Justo cuando el público se preguntaba si alguna vez saldríamos de este callejón sin salida, la masacre de zombis se convirtió gradualmente en una danza de batalla, convirtiendo un escenario dominado por la falta de vida en uno dominado por la vida. El público, inundado por el alivio de haber salido del impasse anterior y electrizado por el ritmo, comenzó a mover los pies y el cuerpo al ritmo. El poder cinestésico de la danza conmovió al público no solo emocionalmente, sino literalmente “lo movió” a cambiar de posición, a hacer movimientos, a hacer algo. En este gesto final, los bailarines negaron el horror de serie B de sus realidades sociales y encarnaron un futuro utópico. La película de terror dio paso a un mundo de esperanza y vida que no tiene un tropo representativo, pero que se sentía y recordaba.
Los visitantes
Coreografía: Regie Constanza Macras
Diseño de vestuario: Roman Handt
Escenografía: Noluthando Lobese
Creado por y con: Alexandra Bodí, Brandon Mangangelele, Bongani Mangena, Emil Bordás, Jackson Mogotlane, Jhon Mbuso Sithole, Jubleen Msusa, Miki Shoji, Mncedesi Mlungisi Lloyd Pududu, Mongezi Siphiwo Mahlobo, Michelle Owami Ndlovu, Nontobeko Portia Ngubane, Privilege Siyabonga Ndhlovu , Sandiso (Zulu) Mbatha, Shantel Ayanda Mnguni, Thulani Lord Mgidi, Tshepang Lebelo, Temosho Evginea Dolo, Thando Ndlovu, Ukho Somadlaka, Vusi Magoro
Crédito de vídeo y foto: © Manuel Osterholt
Esta publicación fue escrita por Yizhou Zhang.
Las opiniones expresadas aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestros puntos de vista y opiniones.
La versión completa del artículo Post-Colonial B-Horror: “The Visitors” en Volksbühne Berlin está disponible en The Theatre Times.
