Peter Sellars no tiene miedo de correr riesgos. Es parte de su enfoque para hacer trabajo, como su producción de 2024 de Beatrice de Tenda presentado. Para esta nueva puesta en escena de Jean-Philippe Rameau Castor y Pollux Para el Opéra National de París en el Palais Garnier, no opta por la versión más conocida de 1854 de la pieza de Rameau, sino por la versión de 1737 con su prólogo que posteriormente se eliminó de la versión posterior. Restaurar la versión 1737 le da a la ópera una apertura muy diferente. Aquí, después del conflicto, una ciudad se sienta en ruinas. Marte, el dios de la guerra, aquí retratado por Nicholas Newton como un general general militar, tiene las artes en cadenas. Las artes suplican con Venus (Natalia smirnova) vestida de negro repleto de velo, para regresar a la tierra y encadenar a Marte para que este encarcelamiento termine. Ella coopta a su hijo Amor (una actuación bellamente expresiva del tenor británico Laurence Kilsby) para dispararle con una flecha de amor que tiene a Marte rendirse temporalmente. La paz, sin embargo, es la abreviatura de que el séquito de Marte derriba a Amor en represalia. El amor yace herido, la juventud y el futuro en peligro, como comienza la Ley 1.
La decisión de presentar el prólogo enmarca efectivamente Castor y Pollux Como una historia centrada en el viaje emocional de Pollux: la culpa experimentada cuando su hermano es asesinado por su rival Lynceus, la agitación generada por su obsesión con el leal prometido de su hermano Télaire (la luminosa Jeanine de Bique) y un impulso de venganza. La lectura de Sellars se centra en posicionar el viaje de Pollux como una reflexión más amplia de lo que significa aprender a vivir con los muertos, asumir la responsabilidad de sus acciones y promover un espíritu de generosidad y humildad que debería manifestarse en todo lo que decimos y hacemos.
El set mundano de Joelle Aoun es, en un nivel, intencionalmente incalfil y poco notable. El escenario dejó una mesa y sillas básicas de la cocina parecía que fueron compradas en IKEA hace algunos años. Gabinetes de cocina no descriptivos y una nevera permanecen detrás. Central Stage Un sofá rojo rosado que ha visto mejores días con una mesa rectangular cuadrada inmediatamente al frente. Escenifica a la derecha una cama y detrás de una ducha básica repleta con una cortina de ducha blanca endeble. No hay nada distintivo en lo que vemos. Nada notable. Sin embargo, lo que es notable es cómo el espacio está constantemente animado por la narración que combina los diferentes mundos: los vivos y los muertos, la tierra y los cielos, los tiempos de paz y los tiempos de guerra, que la ópera navega.
En el fondo del escenario, las imponentes proyecciones de video de Alex MacInnes proporcionan el sentido de un mundo doméstico que necesita ser contextualizado dentro de un universo cósmico más amplio. Un bloque de torre bombardeado, una refinería y postes de telégrafo pronto se reemplazan por impresionantes paisajes de nubes y un universo en movimiento: estrellas, planetas centelleantes en un lienzo cambiante. Los destellos de luces en los paisajes urbanos recuerdan a la audiencia que este es un universo en movimiento: ¿son bombas, lámparas, fuegos artificiales? Nunca nos enteramos. Hay un misterio en el paisaje, recordando que proporcionado por Bill Viola para Sellars ‘ Tristan e Isolde (2005) que eclipsan la acción. Una sensación de que siempre hay un contexto planetario más amplio que las sociedades ignoran a su riesgo. La yuxtaposición visual del entorno íntimo y doméstico contra un cielo elemental y nubes es un recordatorio de que uno enmarca y le da sentido al otro. Los disfraces son contemporáneos pero poco espectaculares; Este es un mundo en el que lo espectacular viene en la forma en que los personajes aprenden a vivir con los muertos, a dejar de lado su privilegio (en el caso de Pollux, inmortalidad) para apoyarse mutuamente.
En el corazón de la producción de Sellars hay una comprensión del costo humano del conflicto. Télaire de Jeanine de Bique se destaca como el afirmativo de Castor. Ella llora su muerte (“Tristes Apprêts, Pâles Flambeaux”) con una hermosa línea vocal suave que es expresiva y quieta. Como los puntales y pasos de Marc Mauillon, impulsados por un deseo de venganza y la lujuria, duda de nombrar al prometido de su hermano muerto. Télaire llora y espera mientras el dolor y la fe se cruzan con un efecto poderoso en su excelente desempeño.
La lectura de Sellars posiciona esto como una pieza sobre el destino y el amor fraternal y también sobre las grietas sociales más amplias expuestas por el asesinato sin sentido de Castor. Gran parte de la energía de la pieza proviene del coro de los cantantes y el conjunto de bailarines que dan forma física a la música de Rameau. La coreografía violenta promulgada por los bailarines flexibles de Cal Hunt es intrincada, elaborada y expresiva. La coreografía de muchas maneras refleja la agresión de la puntuación, como en la paliza de Amor en el prólogo de apertura. El puntaje implacablemente enérgico encuentra un complemento en la coreografía física irregular que proporciona Hunt: los cuerpos que se contorsionan en diferentes formas y configuraciones. Los protagonistas necesitan encontrar su camino alrededor de los cuerpos que sirven como obstáculos en su camino. A veces los bailarines dan forma a las emociones de los personajes, en otros momentos, cortan la música proporcionando un contrapunto o un comentario sobre la acción.
La coreografía física de Sellars demuestra una hábil atención al detalle. Los gestos de la mano cuando Télaire intenta persuadir a Pollux para que suplique a su padre Júpiter por el regreso de Castor en el Acto 1 son fluidos y delicados. Baritenor, Marc Mauillon, despliega su voz granulada para la efectividad brusca como el Pollux atormentado, dividido entre el deseo y el deber. En sus fatigas de camuflaje, corta una figura cada vez más dibujada.
Uno de los desafíos para organizar esta pieza es cómo alinear las largas secuencias de baile de tal manera que sostiene y amplifica el drama emocional; Sellars hace esto a través del despliegue del coro en la Ley 1, lo que permite a Pollux rescatar a su hermano. Al rodearlo detrás del sofá rojo, actúan como su conciencia, recordándole la necesidad de pensar más allá de sí mismo.
La integración del coro, los bailarines y los personajes es particularmente efectiva en el Acto 3, ya que Pollux ingresa a las puertas del infierno con el impulsivo Phébé de Stéphanie d’Oustrac tratando de detenerlo, dándose cuenta de que no la ama sino a Télaire. Télaire busca mantener a Pollux enfocado en la tarea de liberar a Castor, mientras que los bailarines dan forma a los peligros del viaje. Aquí, son los demonios y monstruos que guardan las puertas al inframundo. En la Ley 4, sus trajes luminosos prestan un aura etérea al inframundo.
La primera imagen de Castor Caresing a Sleeping Télaire junto con un flautista/jugador de grabadores que da forma musical a sus emociones proporciona un momento de intimidad bienvenido después del frenesí del inframundo cuando los bailarines se caen del refrigerador y el armario, sale del sofá. En un momento tratando de arrastrar a Phébé al inframundo, y pelear con la cortina de la ducha. La mesa de café funciona como el ataúd de Castor; Emerge de él trayendo su otro mundo al espacio doméstico. La fisicalización de los bailarines del sueño de Pollux proporciona una visión de la cara y la cara de su estado mental inquieto y perturbado.
Castor y Pollux No es una pieza fácil de lograr. Es largo con pasajes de baile extendidos que parecen disipar la tensión dramática, pero Sellars usa la coreografía para proporcionar una línea a través de la línea para ayudar a unir la pieza como un todo dramático. La puesta en escena es ambiciosa, empuja y tira a la partitura con un ritmo implacable puntuado por la gravedad de De Bique y la conexión a tierra emocional. Sus manos dibujan patrones en el aire, articulando su dolor y anhelo. Su tono vocal puro y el pianissimo que prioriza la conducción de Currentzis proporciona una intensidad suave que contrasta con la coreografía puntiaguda del conjunto de baile. Como Castor, Van Mechelen canta con un atractivo tono brillante que muestra una elegante agilidad vocal y musicalidad. Los duetos con su prometida se realizan con una quietud tranquila proporciona un cambio tonal bienvenido.
Currentzis extrae cada nota de la partitura, saboreando su exuberante belleza y conjurando un juego exquisito de la Orquesta Utopia. Al final, cuando el elenco, el coro y los bailarines se unen para celebrar el triunfo del amor por la adversidad, la comida y el vino se llevan al escenario cuando “Fête de l’In univers” cierra la ópera. El prólogo inicial abogó por el final de la guerra. Quizás el final es una indicación de que la guerra, si no termina, se ha detenido cuando los hermanos gemelos celebran la unión con el coro y los bailarines. Sí, no todo encaja lógicamente cuando la acción se lee contra las notas del programa intrincadas de Sellars: no está claro si Castor fue asesinado en casa o en el campo de batalla, o cuál es el papel de Júpiter como padre para Pollux, pero no Castor está en la reconciliación final, o cómo Phébé la sobrevive decente en el inframundo. Sin embargo, la puesta en escena de Sellars invita a la audiencia a tener una visión menos literal de la pieza y la puesta en escena. El resultado es una producción valiente sin miedo al hacer preguntas sobre el legado de la pieza de Rameau y abogar por una versión que a menudo ha sido relegada a la segunda mejor.
Castor y Pollux Juega en el Opéra National de París (Palais Garnier) del 20 de enero al 23 de febrero. Una versión grabada también está disponible en la obra de ópera de París.
Esta publicación fue escrita por Maria Delgado.
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La versión completa del artículo Rameau reinventó: Peter Sellars etapas “Castor et Pollux” en el Opéra National de París está disponible en Theatre Times.
