En el origen del pensamiento y la obra de Graciela Speranza está el contacto entre formas, elementos y materiales que no se habían encontrado antes en nuestro medio. Y hasta casi se podría decir que esa es “su” actividad como crítica de la cultura: reunir elementos dispersos para que colisionen, en el sentido más crítico de la palabra, y permitan descubrir nuevas perspectivas en lo dado. Y más aun: nuevas cosas.
De hecho, su libro a fin de siglo de diálogos con Guillermo Kuitca (Guillermo Kuitca, 1998) se había propuesto una perspectiva que no existía hasta entonces, aun cuando se hablaba de un artista consagradísimo. A lo largo de los diálogos entre la ensayista y el artista, lo que se explora, aunque no se vea y en forma ambigua y deliberadamente abierta, es la posibilidad de surcar algunas de las múltiples narrativas que se encierran en al obra del pintor.
La del diálogo entre el artista y el material, entre el arte y la tradición del arte, entre arte y política, etc… Sin embargo, su libro sobre Manuel Puig recorre casi el camino inverso. En Manuel Puig después del fin de la literatura (2000), Speranza se propone explorar el diálogo entre la obra de Puig y el movimiento que más lo identifica, el pop, que es eminentemente una experiencia visual y que, de hecho, lo fue para Puig, en la medida en la que su obra se anuda con un cierto tipo de cine y con un modo específico que tuvo el cine de transformar la experiencia estética tanto como nuestro sentido del tiempo.
Pero en el mismo espíritu de reunir lo disperso como forma de la crítica, es insoslayable un libro que Speranza escribió junto a Fernando Cittadini, en el que reúne como en un collage, las voces del testimonio de los soldados de participaron de la batalla de Ganso Verde, donde desembarcaron los ingleses, en la guerra de Malvinas. Partes de Guerra, Malvinas 1982 (1997, reeditado este año) es un libro extraño y difícil, porque trata de crear representaciones de un momento de humillación de la nacionalidad y de un episodio traumático al que el libro trata exactamente como eso: como un análisis y como un tabú que se levanta para observar una herida de la cultura.
En 2012 Speranza retraza -o acaso bosqueja- por primera vez un campo de conocimiento cuyos límites, objetos y experiencias todavía estamos tratando de pensar: el arte contemporáneo en América Latina. En Atlas portátil de América Latina, (2012) la ensayista mezcla, une, encamina y mapea obras, instalaciones y narraciones para ver si se pueden imaginar a partir del contacto entre ellos, su sentido o por lo menos, algunas de las preguntas que nos plantea la imposición de obras que, en muchos casos, quedarían mudas (como algunos artistas enmudecen frente a su propia obra), si no tuvieran esta especie de curadora monumental (por el espacio que trata de abarcar) que les da una voz.
Y aun entre sus actividades como crítica cultural, lleva adelante otra de un valor incalculable, en la que, en cierto sentido, trabaja con el campo intelectual como lo hace con las obras que interroga: vincula a las intervenciones críticas de un espectro cultural amplísimo, para que podamos, en la confrontación, observar una verdad que no está en ninguna de las individualidades.
Desde 2003 hasta hoy, dirige, junto al escritor Marcelo Cohen, la revista Otra Parte, la publicación más importante de crítica cultural de nuestro país. En ella reúne a quienes trabajan en la crítica, curadores, profesores, académicos e investigadores, en una convocatoria abierta, sin partidismo político, pero al mismo tiempo comprometida con el presente, a debatir la actualidad periódica de la cultura. Ecléctica y, al mismo tiempo, enfocada en sus objetos, la revista digital plantea a sus colaboradores el desafío de definir un objeto cultural inmediato, urgente e inteligible.
Este último libro, Lo que no vemos, lo que el arte ve es, en cierto sentido, la continuación del su Atlas. Y si bien algunos objetos o artistas persisten de un libro al otro mientras algunos se renuevan, el ensayo trata de imaginar cómo podremos tratar con el arte y sus manifestaciones, a partir del descomunal salto tecnológico y digital en el que estamos inmersos. Una pregunta en la que viejos pensadores chocan con nuevos elementos para llegar directamente a esta perplejidad un poco incómoda en la que estamos viviendo: habiendo tantos aparatos y máquinas que nos permiten ahora mirar, ¿el arte ve algo? ¿Y nos permite ver todavía algo más?
