Gaetano Donizetti María Estuardo, Producida por primera vez en el Teatro alla Scala de Milán en 1835, al igual que la obra de Schiller en la que se basa, exige dos intérpretes destacados. Sube o baja según la calidad de la mezzo y la soprano que dan forma a Isabel I (Elisabetta) y su prima María, reina de Escocia (Maria Stuarda). La nueva puesta en escena de David McVicar, que se estrena en el Teatro Real de Madrid en coproducción con el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Festival de Ópera Donizetti de Bérgamo, La Monnaie / De Munt de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia, comprende la importancia de la resonancia emocional y la tensión dramática a la hora de capturar la dinámica. de una relación en la que la autopreservación lo es todo y en la que se puede sacrificar sangre en nombre de la ideología, la religión o el miedo.
Hannah Postlewaite ha diseñado un decorado imponente con el gran Orbe del Soberano dorado suspendido sobre el escenario, señalando el poder de la monarquía isabelina. La pared trasera tiene una imponente fachada metálica formada por paneles con ojos y orejas esculpidos: se trata de un patio parecido a una iglesia donde nadie sabe en quién confiar y la vigilancia es una forma de vida. Los cortesanos y las damas de honor están vestidos todos de negro y sus cuellos arqueados proporcionan una sensación de autoconservación y protección. Acróbatas vestidos con trajes coloridos giran por el escenario, dando una sensación de alegría y alegría, pero las apariencias pueden engañar. Mientras Elisabetta de Aigul Akhmetshina camina por el escenario, en parte deslizándose, en parte dando zancadas, otros se alejan. Su vestido plateado y rojo brilla, anunciando su poder y estatura. Akhmetshina nos ofrece un monarca con el que no debemos entrometernos. Su abanico de plumas es un arma para ahuyentar y mantener a raya a los cortesanos. Se inclina sobre la imponente mesa larga que domina su corte. Puede parecer un poco tímida ante el conde de Leicester de Ismael Jordi, pero una vez que se da cuenta de la lealtad y el afecto de Leicester, como con María, no puede soportar mirarlo a los ojos. Esta es una reina que deja de lado a cualquier enemigo potencial.
María, de Lisette Oropesa, se presenta, en cambio, en un entorno más austero. La pared trasera blanca del Castillo de Fotheringhay del Acto 1, Escena 2 está dominada por una rama de color marrón rojizo sobre un fondo blanco. Las hojas de otoño caen al suelo. Su atuendo negro y gris tiene un corte más sencillo que el de Elisabetta. Mientras Elisabetta tiene una figura solitaria en una corte abarrotada, María tiene a su compañera con ella, Anna Kennedy (Elissa Pfaender) Elisabetta se mantiene erguida, María cae al suelo en súplica, oraciones y miedo. Sus personalidades están moldeadas tanto por el lenguaje corporal como por la canción o la voz.
Su encuentro, el final del Acto 1, una ficción ideada por Schiller, considera que Elisabetta insulta a María como una provocación. La lujosa capa de Elisabetta la protege, un escudo de María. Se miran mientras Elisabetta escupe su rabia. Da vueltas, gira y luego retrocede cuando la altiva María la acusa de profanar el trono inglés: “Figlia impura di Bolena” pronunciada con férrea franqueza por Akhmetshina. La quietud de María ofrece un verdadero contraste con la más animada Elisabetta.
El segundo acto comienza con Elisabetta vestida; una dama le colocó la peluca en la cabeza a la espera de “crear” a la reina como testaferro. Isabel como símbolo. Es un momento de quietud que refuerza la estatura y la posición del monarca, un momento de calma antes de la decisión final de la ejecución. Aprieta los puños mientras se enfrenta a Leicester. El Orbe gigante ahora está en el suelo, no parece tan imponente como en el Acto 1 cuando flotaba sobre el escenario.
María domina el segundo acto, una figura cada vez más vulnerable, que cae al suelo presa del miedo y el pánico. Aparece con un velo blanco y un vestido negro para su ejecución, agarrando su crucifijo con desesperación. Cuando le quitan la peluca antes de prepararse para poner su cabeza en el bloque, parece vulnerable y expuesta: una audiencia en el escenario esperando para ver la ejecución. Castigo realizado como lección para quienes opten por el catolicismo que representa María. La eliminación de la peluca de María contrasta marcadamente con la colocación de la peluca en la cabeza de Elisabetta al comienzo del Acto 2. El poder de María será eliminado definitivamente. La llamativa ropa interior roja de María simboliza su continuo desafío y desesperación, y un símbolo de la sangre que está a punto de ser derramada. María hace la señal de la cruz mientras el escenario queda sumido en la oscuridad y el hacha del verdugo cae sobre su cabeza.
El vestuario de Brigitte Reiffenstuel tiene un aire distintivo de época, pero captura la dinámica más amplia de los protagonistas. McVicar es conocido por su fascinación por los detalles históricos. Los lujosos vestidos de Elisabetta contrastan con el corte más simple y los tonos negros de los vestidos de María. Vocalmente, las actuaciones están al más alto nivel. Elisabetta de Akhmetshina y María de Oropesa ofrecen actuaciones de extraordinaria confianza y poder. Ambos tienen una agilidad vocal impresionante. Junto a ellos, el tenor Ismail Jordi se muestra seguro y vibrante como Leicester. Roberto Tagliavini como Talbot canta con gran encanto y elegancia y su dueto del segundo acto con María es a la vez conmovedor y honesto en su sencillez y franqueza. También canta excelentemente el joven barítono polaco Andrzej Filonczyk como Cecil. El Coro del Teatro Real dirigido por José Luis Basso produce un sonido lujoso mientras los cortesanos esperan la ejecución de María en un final del Acto 2 que muestra la capacidad del director David McVicar para crear un cuadro coreografiado por expertos, que recuerda a una excelente pintura de un viejo maestro. La iluminación de Lizzie Powell diferencia entre el frío palacio de Isabel I y el exterior del Castillo Fotheringhay de María y es particularmente dramática en la escena final de la pieza. esta nueva María Estuardo prioriza la intensidad emocional que ha sido el sello distintivo de las puestas en escena anteriores de Donizetti de McVicar con dos excelentes actuaciones centrales y un poderoso sentido de cómo lo personal y lo político están indeleblemente entrelazados.
María Estuardo obras en el Teatro Real de Madrid los días 14, 16, 17, 19, 20, 23, 26, 27, 29 y 30 de diciembre de 2024
Esta publicación fue escrita por Maria Delgado.
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La versión completa del artículo La nueva “Maria Stuarda” de David McVicar en el Teatro Real de Madrid está disponible en The Theatre Times.
