Los encuentros entre artistas y profesionales son invariablemente experiencias profundas, donde el conocimiento se intercambia en tiempo real como una práctica vivida. Estos encuentros permiten tener una percepción holística de cada artista: se les ve, se les oye y se les siente con todas las facultades, haciendo del encuentro una experiencia verdaderamente humana. Voces distintas, a menudo divergentes, descubren de repente códigos de comunicación que surgen casi mágicamente, especialmente cuando están en sintonía con un alto nivel de conocimiento y experiencia.
Este fue precisamente el caso del Festival Between.Pomiędzy 2025. El tema general, Herramientas y técnicas, proporcionó el eje central para que aquellos capaces de emplear estos instrumentos con maestría entraran en resonancia. Mientras que festivales de este tipo a veces corren el riesgo de disolverse en debates puramente teóricos que, aunque valiosos para el intercambio de ideas, a menudo tienen un carácter efímero, en Gdańsk ocurrió lo contrario. Allí se produjo un auténtico encuentro de artistas e investigadores, una convergencia que trascendió la teoría y se convirtió en un diálogo vivo de práctica y pensamiento.
El taller se desarrolló como una constelación de encuentros, ofreciendo una serie de sesiones dedicadas al teatro físico y la coreografía. Se convirtió en un espacio vivo donde la teoría y la práctica se entrelazaban, dando forma a un terreno fértil para el intercambio de conocimientos y experiencias. Artistas, investigadores y estudiantes se reunieron no sólo para aprender, sino también para compartir, tejiendo sus artesanías en un tapiz colectivo de movimiento, pensamiento y creación.
Lo que surgió con sorprendente claridad fue la necesidad urgente de prácticas y metodologías contemporáneas en el teatro y la educación escénica. Las sesiones demostraron que el panorama pedagógico actual debe ir más allá de los modelos estáticos de instrucción y adoptar enfoques que estén encarnados, basados en procesos y que respondan a las complejidades de la creación artística moderna. El festival destacó lo esencial que es para las instituciones educativas y de formación cultivar entornos donde la experimentación, la interdisciplinariedad y la investigación incorporada no sólo se fomenten sino que se integren estructuralmente. En este sentido, el taller sirvió no simplemente como una serie de encuentros artísticos sino como un argumento convincente para reimaginar cómo enseñamos, aprendemos y transmitimos las artes escénicas en el siglo XXI.
En el marco del Seminario Samuel Beckett: Herramientas y artesanía de la Universidad de Gdańsk tuvo lugar la primera parte de la serie de talleres Sharing Crafts de este año. La sesión de apertura estuvo a cargo de Clara Simpson (Irlanda/Francia), quien guió a los participantes en el delicado proceso de adaptar un texto literario a una forma teatral.
El taller “Página a escenario: Yo no“, se desarrolló como una exploración interactiva del fragmento de Beckett. Clara Simpson ofreció una demostración performativa de cómo las palabras podían traducirse en ritmo, gesto y presencia. La sesión se convirtió en un diálogo vivo entre texto y actuación, donde la teoría y la práctica se entrelazaban, y la página escrita se disolvía en teatro encarnado.
Los participantes vivieron no sólo un acercamiento práctico a la puesta en escena sino también una lectura interpretativa de la obra de Beckett. Yo no. El encuentro creó un espacio de intercambio: artistas, investigadores y estudiantes compartieron perspectivas, entrelazando conocimiento y artesanía. En retrospectiva, el taller iluminó el frágil pero poderoso paso de la literatura al teatro, dejando tras de sí una resonancia de voces, movimientos e ideas.
“Espacios humanos de movimiento oscuro” y “Actuación física y espacio”
El taller “Espacios humanos de movimiento oscuro” de Dionysios Tsaftaridis (Grecia) presentó a los participantes un método de práctica de movimiento que obstruye deliberadamente la visión para aumentar la conciencia de otros sentidos. La sesión comenzó con ejercicios de Kinesis (movimiento dentro de la esfera personal/kinesfera) y luego se expandió a Metakinesis (movimiento a través del espacio externo/exosfera compartido). Al trabajar en la oscuridad, los participantes exploraron cómo la ausencia de vista agudizó su percepción de las relaciones espaciales, el tiempo y el contacto físico. Los ejercicios los animaron a confiar en el tacto, el sonido y la propiocepción, creando una mayor sensibilidad tanto a su propio movimiento como a la presencia de los demás. Este enfoque, conocido como método DMS, proporcionó una forma estructurada de generar nuevo material de movimiento y mejorar la destreza.
El taller “Actuación física y espacio” dirigido por Paul Allain (Reino Unido) se centró en cómo los actores definen y organizan el espacio cuando no se proporciona ningún texto o marco externo. Los participantes trabajaron individualmente y en grupos para explorar cómo la presencia física por sí sola puede dar forma al significado en un ambiente vacío. Los ejercicios examinaron la alineación, la orientación y la organización colectiva, alentando a los actores a tomar conciencia de cómo sus cuerpos interactúan con el espacio y entre sí. Hacia el final, el taller abordó brevemente la documentación: cómo se puede utilizar la cámara para capturar y reflejar el trabajo del actor, considerando ángulos, encuadres y la relación entre la actuación en vivo y la imagen grabada.
Juntos, los dos talleres ofrecieron perspectivas complementarias: uno enfatizaba la exploración sensorial en ausencia de visión, el otro destacaba el papel del actor en la construcción del espacio sin guía textual. Ambos proporcionaron herramientas y experiencias prácticas que los participantes pudieron integrar en sus propias prácticas artísticas y de investigación.
“El cuerpo rápido” y “Laban-Aristóteles: Zoon en la praxis teatral”
El taller “The Fast Body”, dirigido por Alice Veliche y Radu Alexandru (Rumania), se centró en la velocidad como una cualidad de movimiento fundamental pero desafiante. Los participantes realizaron una serie de ejercicios diseñados para perfeccionar tanto la precisión como la aceleración de las acciones corporales. Los facilitadores introdujeron métodos que combinaban ejercicios técnicos con reflexión analítica, animando a los participantes a observar cómo la velocidad influye no sólo en la destreza física sino también en el potencial expresivo. La sesión enfatizó estrategias a largo plazo para entrenar el “cuerpo rápido”, destacando cómo la aceleración controlada puede convertirse en una herramienta tanto para el rendimiento como para la investigación. A través de la práctica, los participantes experimentaron la complejidad de mantener la claridad y la intención mientras trabajaban a un ritmo elevado y discutieron cómo la velocidad puede transformar la dinámica de la presencia en el escenario.
El taller “Laban-Aristóteles: Zώον en el teatro Πράξις”, presentado por mí (The Makings of the Actor, Grecia), ofreció una combinación de teoría y práctica arraigada en mi investigación en curso. La sesión comenzó con una introducción teórica a la relación entre el análisis del movimiento de Rudolf Laban y el concepto aristotélico de mimesis entendida como zώον (fuerza vital). Expliqué cómo la formación, vista a través de una lente aristotélica, requiere un compromiso consciente y racional, uniendo la ciencia (episteme) y el arte. Siguiendo este marco, los participantes pasaron a la exploración práctica, aplicando principios del sistema de Labán mientras reflexionaban sobre la teoría ontológica y poética de Aristóteles. Los ejercicios los animaron a encarnar y experimentar cómo el cuerpo se convierte en un lugar de conocimiento a través de la práctica cinestésica. El taller pretendía proporcionar una metodología estructurada que conectara conceptos filosóficos con la formación de actores tangibles, ofreciendo a los participantes tanto visión intelectual como experimentación física.
Juntos, estos talleres se complementaron entre sí: uno examinó el refinamiento técnico de la velocidad y la precisión, mientras que el otro exploró los fundamentos filosóficos y metodológicos del movimiento. Ambas sesiones brindaron a los participantes herramientas prácticas y una comprensión más profunda de cómo se puede entrenar, analizar y transformar el movimiento en una práctica teatral expresiva.
“Cuerpos Movidos y en Movimiento” y “Paisaje de los Huesos – Anatomía en Movimiento”
El taller “Cuerpos en movimiento y en movimiento: un taller sobre acción volitiva y no volitiva”, dirigido por Nigel Stewart (Reino Unido), guió a los participantes hacia una conciencia más profunda de cómo el cuerpo responde tanto a los impulsos internos como a las fuerzas externas. Basándose en el concepto de excitabilidad refleja de Vsevolod Meyerhold, la técnica de liberación Skinner (SRT) de Joan Skinner y los principios de caída y recuperación de Doris Humphrey y José Limón, la sesión combinó la teoría con la práctica. Los participantes realizaron ejercicios engañosamente simples, tanto individualmente como en parejas, que enfatizaban la experiencia de ser movidos en lugar de simplemente moverse. A través de estas exploraciones, descubrieron cómo los estímulos externos (gravedad, tacto o dinámica de grupo) podían generar energía y dar forma al movimiento. El taller destacó el equilibrio entre el control volitivo y la rendición, alentando a los participantes a aprovechar la interacción de la intención y la respuesta.
El taller “Paisaje de huesos – Anatomía en movimiento”, dirigido por Katarzyna Pastuszak (Polonia), invitó a los participantes a explorar la materialidad del cuerpo a través de prácticas de danza y movimiento. La atención se centró en lo que Pastuszak denomina “paisajes óseos”: paisajes de la estructura esquelética experimentados a través del movimiento. Los ejercicios animaron a los participantes a mapear sus cuerpos desde dentro, rastreando el diálogo entre huesos, músculos y entornos externos. El taller creó un espacio abierto a la investigación práctica, donde los participantes reflexionaron sobre cómo el movimiento puede generar diálogos no solo entre cuerpos humanos sino también entre cuerpos y materiales, lugares e incluso entidades no humanas. Como parte del proyecto en curso Dance Ecologys, la sesión enfatizó el potencial de la danza como herramienta para investigar las relaciones corporales y las conexiones ecológicas.
Juntos, estos talleres ofrecieron perspectivas complementarias: la sesión de Stewart enfatizó la conciencia de las fuerzas y reflejos que dan forma al movimiento, mientras que la sesión de Pastuszak exploró paisajes anatómicos y el diálogo del cuerpo con su entorno. Ambos proporcionaron a los participantes herramientas prácticas y marcos conceptuales para ampliar su comprensión del movimiento como práctica física y método de investigación.
Estos talleres demuestran colectivamente cuán esenciales son estas formas de colaboración para el trabajo de los artistas en ejercicio. Cada encuentro creó un campo compartido donde los métodos, perspectivas y experiencias encarnadas podían circular libremente, permitiendo a los participantes aprender no sólo a través de la observación o la teoría sino también a través del acto físico de hacer. En este contexto, el conocimiento no es una construcción abstracta sino un proceso encarnado: algo generado, probado y transformado a través del movimiento, la interacción y la exploración colectiva. Al reunir a diversos profesionales, disciplinas y enfoques de investigación, estas colaboraciones cultivan un entorno dinámico en el que la práctica artística evoluciona a través del diálogo, la experimentación y la experiencia vivida del cuerpo en acción.
Todo esto se desarrolló junto con una rica variedad de eventos en la hermosa ciudad de Gdańsk. Nos convertimos en parte de la vida artística de la ciudad, moviéndonos por diferentes espacios e interactuando con su vibrante paisaje cultural. Conocimos a otros artistas y colegas, intercambiamos ideas y nos sumergimos en una comunidad moldeada por la creatividad y la curiosidad. Durante varios días vivimos en un estado de euforia artística e intelectual, experimentando la ciudad no sólo como visitantes sino como participantes activos en su continuo pulso creativo.
Esta experiencia finalmente condujo a una nueva colaboración y asociación entre nuestra empresa, The Makings of the Actor, y Between.Pomiędzy para el año 2026. Los días que pasamos en Gdańsk, inmersos en el intercambio artístico, rodeados de compañeros profesionales y envueltos en un diálogo creativo continuo, crearon las condiciones ideales para que esta asociación surgiera y tomara forma.
Este artículo es parte del reportaje sobre Between.Pomiędzy Festival 2025, disponible en TheTheatreTimes.com.
La versión completa del artículo Sharing Crafts, Or Laboratory Space está disponible en The Theatre Times.
