Con la reciente destrucción causada por los incendios forestales en Los Ángeles, la serie de fotografías ‘Wildfires in Palermo’ de Fenwick parece más relevante que nunca.
En 2023, el fotógrafo londinense Jim Fenwick llegó a Sicilia para una sesión comercial de rutina, sin saber que un repentino incendio forestal convertiría su viaje en una extraordinaria oportunidad fotográfica.
Mientras las llamas asolaban las colinas que rodeaban el ciudad de palermoFenwick instintivamente desvió su atención de la gente al impresionante paisaje: los árboles y el cielo surrealista y ardiente.
“Creo que se pueden hacer fotografías sobre personas sin fotografiarlas realmente”, compartió Fenwick con Euronews Culture. “Todas mis fotografías, incluso si el sujeto no es una persona, de alguna manera tratan sobre personas”.
La poderosa serie ganó el segundo lugar en el prestigioso Premios Mundiales de Fotografía Sony Categoría de paisaje y se exhibió en Fotofestival Lenzburg. Más allá de este proyecto, el trabajo de Fenwick explora las complejidades de las personas y las comunidades, descubriendo a menudo esperanza y resiliencia en las circunstancias más difíciles.
Nos sentamos con él para explorar su carrera fotográfica, los incendios forestales en Palermo y la filosofía detrás de sus imágenes.
Euronews Cultura: ¿Podrías contarnos un poco sobre tu crianza? ¿Pasaste gran parte de tu infancia viajando por el mundo?
Jim Fenwick: Nací en 1972, por lo que era una época completamente diferente. Mi familia viajó por todo el mundo gracias al trabajo de mi padre. Entonces, cuando yo era solo un bebé, vivíamos en Lagos, Nigeria, que era nuestra base. Desde allí, nos mudamos a Dhaka, Bangladesh, y nos mudamos mucho por Asia, al tiempo que regresamos a África durante ese tiempo. Posteriormente nos mudamos a Milán, Italia. Cuando tenía unos 11 o 12 años, vine a Inglaterra para ir a la escuela y me instalé en Basingstoke.
Tengo recuerdos muy fuertes de mi infancia. Cada lugar en el que viví se sintió como su propio capítulo y puedo recordar claramente los sabores, sonidos e imágenes de cada lugar.
Pero cuando estaba en la escuela en Inglaterra, era difícil concentrarme en el presente sin mirar atrás. Fue una sensación realmente extraña: esos recuerdos de mis años de formación eran tan vívidos que estar en Inglaterra, especialmente en Basingstoke, me resultó difícil en comparación. Siempre estaba pensando en los primeros tiempos que tuve, y eso definitivamente influyó en mi creación de imágenes y mi fotografía.
Entonces, ¿cómo llegaste a la fotografía y el arte?
Oh, bueno, mucho de eso vino de crecer en esos países. Crecí sin televisión y mis padres no intervenían mucho. Mi padre siempre estaba en el trabajo y mi madre normalmente estaba ocupada con otras cosas. Entonces me entretenía dibujando y pintando, y siempre me encantó.
Era una forma de escapar y entrar en mundos diferentes. Desde muy joven pensé en ir a la escuela de arte; era algo que siempre quise hacer. Parecía el tipo de camino que podría conducir a la aventura, especialmente siendo un niño imaginando el futuro. Seguí así, dibujando y pintando una y otra vez.
Cuando finalmente fui a la escuela de arte, mi atención se centró en la fotografía. Me di cuenta de que podía hacer realidad mis ideas mucho más rápidamente a través de la fotografía y eso hizo clic para mí.
¿Cómo surgió el proyecto ‘Incendios de Palermo’?
Bueno, soy muy sensible al mundo, soy un poco empático. Me encanta viajar, conocer gente nueva y sumergirme en otras comunidades. Es un verdadero desafío ser aceptado en un lugar nuevo y eso lo disfruto.
Estaba en Palermo para un proyecto completamente diferente cuando vi los incendios forestales. Tan pronto como los vi, supe que tenía que dispararles. Todo sucedió muy rápido. Quiero decir, no creo que puedas planificar una sesión de fotos sobre incendios forestales. Iba a trabajar y el chico que debía recogerme llegó tarde. Y me llamó diciendo: “Oh, Jim, hay incendios forestales, voy a llegar tarde” y pensé: “Está bien, está bien”. Pero tan pronto como salí del hotel y vi de qué estaba hablando, quedé impresionado.
En el camino a nuestra ubicación, el tráfico era un caos y había incendios al costado de la carretera. La colina estaba en llamas, era bastante increíble. Finalmente llegamos a última hora de la tarde para una sesión fotográfica nocturna y, cuando se puso el sol, el cielo se volvió más oscuro y rojo. Se había formado una base de nubes bajas y el rojo de las llamas se reflejaba en la parte inferior de las nubes. Y pensé que era hermoso, pero también horrible al mismo tiempo.
¿Cuál fue su proceso de pensamiento y enfoque técnico al capturar estas imágenes?
Como estaba trabajando en un negocio comercial, tenía acceso al equipo: una camioneta con luces y todo eso. Así que corrimos iluminando los árboles, usando la teoría del color para complementar el cielo. Estoy muy interesado en cómo interactúan los colores, así que instintivamente iluminé los árboles de una manera que funcionara con el cielo ardiente.
Todo el rodaje fue increíblemente rápido e instintivo: aproximadamente una hora y media. Cuando llevas tanto tiempo haciendo fotografía como yo, confías en el instinto. Tener una red de personas que se encargan de la iluminación también ayuda: hace la vida mucho más fácil. Pero tiendo a trabajar rápidamente, incluso si la idea en sí tarda semanas o meses en desarrollarse.
Aunque para mí fue una experiencia realmente agridulce. A nadie alrededor parecía importarle los incendios; era muy extraño. Todos parecían continuar con su velada, como si fuera normal. Todo es cuestión de contexto, ¿no? Si ocurriera un incendio como ese en el Reino Unido, todo el país estaría hablando de ello. Pero en Sicilia es sólo parte de la vida. Lo investigué después y, si bien el calentamiento global es, por supuesto, un factor enorme, descubrí que una alta proporción de estos incendios se provocan deliberadamente, lo cual es horrible a su manera.
¿Por qué tomaste las fotos en retrato?
En realidad, no se trataba de capturar todo el paisaje, sino del incendio en sí y de los individuos. Por eso, en lugar de fotografiar en formato horizontal, utilicé la orientación vertical. Me concentré en uno o dos árboles específicos que sentí que simbolizaban personas.
Verá, creo que se pueden hacer fotografías de personas sin tener que fotografiarlas. Todas mis fotografías, incluso si el sujeto no es una persona, de alguna manera tratan sobre personas.
Como has mencionado, tu trabajo a menudo se centra en seres humanos en las sombras o en aquellos potencialmente ignorados por la sociedad. Un proyecto destacado es ‘Ride Out’, en el que documentaste la cultura ciclista juvenil de Londres. ¿Puedes compartir más sobre esta serie?
El proyecto ‘Ride Out’ surgió hace unos años cuando estaba en High Street Kensington, que es una zona bastante rica. Está lleno de Range Rovers, Porsche y los habituales atascos. Yo estaba allí y noté esta extraña energía en el aire: todos tocaban las bocinas, el tráfico se había detenido por completo y, de repente, en masa, todos estos adolescentes estaban pasando haciendo caballitos.
Estos son los niños que no tienen voz. Muchos de ellos, no quiero generalizar, pero muchos de ellos provienen de familias y entornos en los que no tienen voz. Pero cuando se reúnen en estos grandes grupos, no se les puede ignorar. La gente estaba indignada por su estilo de conducción: la forma en que se abren paso entre el tráfico y se desvían en el último segundo. Se arriesgan y son grandes grupos de niños que conviven, tienen un propósito por el que viajan, muchos de ellos del sudeste de Londres y recorren Londres en bicicleta.
Es como este espíritu único de todos estos jóvenes que en realidad son algo extraordinario. Como soy unos 30 años mayor que la mayoría de ellos, agarré mi pequeña bicicleta Brompton y me uní a ellos. Y fueron total y absolutamente acogedores conmigo. Entendieron que yo no estaba allí para menospreciarlos, sino para celebrar lo que es ser un ser humano. Entonces, sí, la razón por la que hice ese trabajo es porque estoy harto de que la gente no tenga voz.
¿Cómo se puede generar confianza con extraños?
Bueno, es una pregunta interesante. Creo que vivimos en una época en la que el acceso es más fácil, pero la realidad es que cuando estás trabajando en un proyecto, no siempre sabes exactamente qué vas a hacer. Tienes una idea aproximada en tu cabeza de cómo te gustaría que fuera, pero la fotografía es impredecible.
Cuando trabajas con personas reales, tienes que adaptarte a lo que hacen. Lo que he descubierto que funciona mejor para conectar con alguien es el contacto visual, ser honesto acerca de por qué quieres fotografiarlo y hacer algunas preguntas. Cínicamente, lo mejor que puedes hacer es dejar un cumplido, hacer un par de preguntas, mostrar interés y listo.
Se vuelve más fácil a medida que envejeces y más experiencia adquieres. No tengas miedo de preguntar, especialmente en estos días en que todo el mundo está tan orientado a las imágenes: a la gente le encanta tener fotografías de sí mismos. Si tomas excelentes fotos, es posible que quieran compartirlas y tener un par para su Instagram. Llegas a ser parte de su red y, antes de que te des cuenta, es posible que te contacten y te digan: “¡Estamos haciendo esto, ven!”. Puedes elegir unirte o no, pero abre una gran red.
Así que no tengas miedo de preguntarle a la gente, pero recuerda, tus motivos lo son todo. Las razones por las que le pido a la gente que tome fotografías es porque hay algo que quiero celebrar, algo que me interesa, algo que quiero contar. No vengo de un lugar donde quiera explotar a nadie; eso no es lo mio. Entonces, realmente se trata de tus intenciones: asegúrate de que las personas que estás fotografiando entiendan lo que quieres hacer y por qué.
