Para la Parte I de esta revisión, vaya aquí.
Una vez más, me encuentro en el borde de Amsterdam, en el Teatro de Likeminds en Amsterdam Noord, para mi visita #3 de Bienvenido a Asbestos Hall. Una vez más, estoy conmovido por las capas conceptuales del proyecto, a qué coreógrafo Trajal Harrell se refiere como “arte de proceso”. Dramaturg Sara Jansen se hace eco de esta idea durante su introducción a nuestro grupo de curiosos visitantes, enmarcando la visita al #3 a través de esta lente.
Al ingresar, cada visitante recibe una etiqueta de papel con un número entre 1 y 6. Después de la introducción de Jansen, comienza el suspenso. Los grupos son llamados y escoltados en silencio en otro lugar, dejando el teatro como una especie de cámara de retención: libros en una mesa, un escenario estéril ante nosotros, un bar en el vestíbulo. La gente chatea en silencio o pasa por libros brillantes. La atmósfera se siente suspendida, ponderada con partes iguales de quizás aburrimiento y vaga anticipación.
La selección numerada evoca imágenes distópicas, y Los juegos del hambre me viene a la mente. No hay peligro real aquí, por supuesto, las personas regresan de lo desconocido, aparentemente es solo una solución práctica ya que las habitaciones donde la actuación tiene lugar no es lo suficientemente grande como para organizar a la audiencia en su totalidad. Esto contrasta en visitar el #1, donde la audiencia se sentó en círculo alrededor de artistas en el espacio del teatro central. El sentido de intimidad compartida se fractura en viajes aislados. El salón de espera se convierte en un umbral, separando lo conocido del desconocido performativo.
Finalmente, estoy en el último grupo. Ascendemos a un estudio sin ventanas. Un círculo de tiza marca el escenario. Nos paramos en su borde. Un intérprete se encuentra inmóvil, cara presionada hacia una pared independiente cubierta de película plateada reflectante. Cerca, una mesa contiene toallas de mano blanca apiladas en un triángulo. Entonces, las luces se apagan y Billie Eilish Todo lo que quería comienza a tocar, suavemente melancólico:
Tuve un sueño
Tengo todo lo que quería
No es lo que pensarías
Y si estoy siendo honesto
Podría haber sido una pesadilla
A cualquiera que pueda importarme …
El sonido se hace cargo de la visión se niega intencionalmente. El artista comienza a moverse, luchando cerca de la pared, deslizándose hacia arriba y hacia abajo de su superficie como si estuviera contando con la gravedad misma. Su cuerpo parece inestable, resistiendo la rectitud. Los desorientas de la dimness. Me esforzo a ver más, pero me quedan impresiones fugaces. La frustración se establece, no en el trabajo en sí, sino en mi privación sensorial. La coreografía permanece en gran medida oculta. Mis oídos se convierten en mis ojos.
La capas de sonido continúa. Otras pistas se mezclan con Eilish, pero su canción regresa insistentemente, proporcionando el único ancla narrativa real. Ofreciendo un paisaje interno de sueño, desesperación y disociación. Aunque no estoy asustado, la idea de una pesadilla comienza a arrastrarse, reforzada por las letras de la canción. ¿Se supone que debemos estar en un entorno de pesadilla? Esta recurrencia transforma la música en una especie de brújula emocional, potencialmente anclándonos en el espacio afectivo que las imágenes se niegan a proporcionar.
El artista finalmente se sienta contra la pared, luego se para y sale. Noto parpadeos en la superficie reflectante. Cuando salimos a la segunda habitación, finalmente veo la fuente: una pequeña pantalla escondida al lado de la pila de toallas, mostrando una imagen aérea fugaz de un bosque de pinos que podría haber pasado fácilmente desapercibido. La imagen perdura en mi mente, misteriosa y sin resolver. ¿Qué es el bosque? Un recuerdo? Un refugio? Una advertencia? El emparejamiento de una configuración estéril de la etapa y el desierto orgánico evoca una yuxtaposición posthumana: colapso interno con un mundo indiferente que nos sobrevivirá. La oscuridad, la negativa de la visión, la recurrencia de la palabra pesadilla. Me hizo pensar en la crisis climática actual y lo que se dice a menudo: que ya estamos viviendo el escenario de pesadilla.
El segundo estudio contrasta bruscamente. Está inundado de luz, ventanas abiertas al sol de la noche. La configuración del escenario es similar: el círculo de tiza que define el escenario, la pared plateada reflectante, las toallas apiladas en una mesa, pero el piso está lleno de lo que parece píldoras y vómito. Estos detalles alteran toda la experiencia de la coreografía y el intérprete. La limpieza da paso a la abetación, y la luz no ofrece claridad sino exposición, reforzando aún más la sensación de una pesadilla que parece ser imposible de despertar. Donde la primera habitación se sintió turbia y de ensueño (o pesadilla), esta se siente cruda y usada. Oscuridad desorientada; El brillo se enfrenta.
Si bien solo tiene una vaga impresión de la coreografía en la oscuridad de la primera habitación, esta vez, las expresiones faciales son visibles. La ropa de los artistas está desaliñada, y sus ojos vuelven a la cabeza. La lucha contra el muro independiente de repente gana una dimensión completamente nueva e interpretación potencial. Si bien la primera sala podría haber sido vista como un colapso ecológico, especialmente debido a las imágenes de los árboles, esta vez parece que la noción de naturaleza se ha implosionado sobre sí misma. Es un entorno inherentemente humano, recordándome las secuelas de una fiesta donde las personas han utilizado en exceso las sustancias de algún tipo. En un momento, el intérprete imita vómitos, algo incluso sale de su boca. ¿Están hartos del mundo? ¿O el mundo mismo está mal?
Aunque las dos habitaciones invitaron a diferentes interpretaciones de la actuación, sin duda estaban conectadas. La misma coreografía se realizó dos veces, y la configuración era parcialmente la misma pero con diferentes detalles. Quizás es el contexto y no el contenido que da forma a cómo leemos el trabajo y, por lo tanto, el encuadre que hace el trabajo de mejorar la interpretación de la coreografía. En mi búsqueda de narrativa o coherencia, me sorprende la negativa de la pieza a explicarse. Al final, nos invitaron a escribir en el muro cubierto de plata, y la única palabra que me vino a la mente: enfermo.
Unnur Hlíf Rúnsdóttir es un estudiante de maestría en dramaturgia internacional en la Universidad de Amsterdam.
Los estudiantes de los estudios internacionales de dramaturgia y teatro de la Universidad de Amsterdam visitaron el Festival de Holanda y ensayaron diferentes formas de reflexionar sobre lo que experimentaron allí. El experimento explícito fue desarrollado y supervisado en colaboración entre el coordinador de Ricarda Franzen y el Departamento de Educación del Festival de Holanda, representado por Flora Dekkers. La cuestión de qué formas de “devolver” y la reflexión entre la academia y las prácticas de trabajo posibles como dramaturgs podrían ser adecuados para las actuaciones correspondientes fue el punto de partida de una trayectoria que abarca el Festival de Holanda. Los estudiantes eligieron cada dos actuaciones a las que asistieron, todas las cuales innovadoras de sus formas únicas: el estadounidense Trajal Harrell ofreció un formato de asistir a “trabajo en progreso”, los experimentos laborales de Michel van der Aa con IA y ópera de manera novedosa y Carolina Bianchi ya ganaron varios premios con su segunda parte con su parte de su parte. Fraternidad de su trilogía sobre femicidio, violación y violencia.
Esta revisión fue publicada por primera vez por el Festival de Holanda, reembolsada con permiso.
La versión completa del artículo “Bienvenido al Asbesto Hall”. Revisar. Parte II. Holanda Festival 2025. Está disponible en Theatre Times.
