Es el tercer día del Festival de Holanda, y me dirijo a lo que se siente como el borde de Amsterdam Noord para visitar Bienvenido a Asbestos Hall en la etapa de Likeminds. Es el trabajo del artista asociado del festival de este año, el coreógrafo Trajal Harrell. Hoy es un día cálido, probablemente uno de los más cálidos hasta ahora, y la gente espera afuera con sus bebidas para que comience la visita. Una visita, porque esta no es una actuación o espectáculo en el sentido tradicional.
Al entrar en el pasillo, una mujer se sienta en el escenario, en el centro, rodeada por un gran círculo blanco dibujado en la tiza en el piso. Ella apenas reacciona mientras presentamos y tomamos nuestros asientos en un círculo a su alrededor. Los bancos de teatro convencionales, donde la audiencia generalmente se sentaría, no se usan; Solo sillas colocadas en el escenario rodean a la mujer. Además, subraya el hecho de que este no es un rendimiento convencional. Me pregunto si incluso se puede llamar una etapa.
Después de sentarse en silencio por un corto tiempo, mirando a la mujer, el uno al otro, al tomar la habitación, el coreógrafo Trajal Harrell le da una bienvenida. Nos dice esta visita, solo fue ensayada durante dos días antes de abrir a una audiencia en el Festival de Holanda, antes de que mostraran este proyecto en Bélgica. Esto nos hace parte del proceso porque, aunque se está realizando, todavía se está creando. Somos bienvenidos en el espacio, nos damos la bienvenida para experimentarlo y damos la bienvenida a no aplaudir una vez que termine la visita. Los aplausos se guardarán después de la visita final. Una actuación continua en cierto sentido, tal vez incluso nunca terminando realmente.
Después de la bienvenida, la mujer en el escenario entra en acción. Ella comienza a correr en lo que parece un orden aleatorio pero con movimientos controlados, haciendo contacto visual con varios miembros de la audiencia, saludándonos uno por uno. Su ropa, un corsé y falda, son demasiado grandes para ella, y el corsé se desliza hacia abajo, revelando sus senos. Finalmente, otra mujer se une a ella, con una camisa transparente de manga larga y una falda larga. Ella nos saluda de manera similar.
Mientras tanto, se pasa un pequeño trozo de papel alrededor de la audiencia. Explica que esta visita se basa libremente en En la soledad de los campos de algodón (En la soledad de los campos de algodón), una obra escrita por Bernard-Marie Koltès en 1985. Esta pista se sienta en silencio en mi mano, pero solo comenzará a resonar más tarde.
Hay mucho que desempacar, y la visita comienza lentamente. Algunos pueden simplemente disfrutar del movimiento, la forma en que la música fluye de una pista a otra, cómo el movimiento sigue el movimiento, a veces con cambios marcados, a veces sin problemas. Me encuentro buscando significado en la historia, en los gestos, especialmente porque no estoy familiarizado con la obra de la que se basa. Pero estoy intrigado. Da una sensación de fluidez, pero también se inquieta de no entender lo que debo quitarle.
Harrell se refiere a este proyecto como “arte de proceso” porque no es una actuación terminada. Más bien, es una pieza de todo, instantáneas que experimentan con Butoh, un movimiento de baile japonés de la década de 1950. Este proyecto explora las capacidades del cuerpo, que se ajusta al tema del festival de la danza, el movimiento y el cuerpo vulnerable de este año. Dentro de este marco, Harrell experimenta con Butoh, que enfatiza la expresión corporal y el descubrimiento de capas más profundas tanto en los artistas como en el público.
A medida que se desarrolla la visita, las dos mujeres cambian entre saludarnos, cambiar de ropa e inspeccionar el círculo de tiza, manchando sus bordes con los pies, borrando la línea entre el artista y el observador. Sus movimientos a veces son inestables, casi borrachos; Los ojos retroceden, los cuerpos se hunden, se enfrentan mucho con esfuerzo o agotamiento. Coquetean con el límite del círculo pero rara vez entran en su centro, a menos que se crucen. A veces se conectan entre sí, a veces permanecen solos. Se burlan, imitan, atacan y se burlan entre sí. En otros momentos, atacan poses como modelos en una pista. Sin embargo, siempre regresan, el uno al otro y a nosotros, buscando conexión.
El movimiento está a la vez controlado y caótico, preciso pero aparentemente aleatorio. Recuerda a Trisha Brown y su coreografía posmoderna, donde el cuerpo habla en lugar de la narrativa. No se habla una sola palabra. No se pronuncia ningún sonido. Y, sin embargo, todo se comunica a través del movimiento y las expresiones faciales muy exageradas, a menudo provocando risas de la audiencia. Aún así, lo que Lingers no es el humor, sino el anhelo profundo de los artistas, casi doloridos, por el reconocimiento, por el contacto.
Más tarde, en casa, mientras digería la experiencia, levanté la vista en la soledad de los campos de algodón. Entonces todo comenzó a tener sentido. La obra, en la que la visita se basa libremente, organiza un encuentro entre dos extraños: el cliente y el concesionario. Deben negociar un intercambio, navegar poder, vulnerabilidad y lenguaje. Su interacción se basa no solo en la necesidad, sino en el deseo.
En la versión de Harrell, los artistas parecen menos preocupados por obtener algo el uno del otro que expresar las condiciones de querer a sí misma. Se mantienen cerca de la audiencia, a menudo buscando contacto visual, pero apenas tocan y con frecuencia parecen desconocidos el uno del otro. A diferencia de la obra, me imagino, las identidades son fluidas, y nunca está claro quién es quién, o si son personajes. Esta ambigüedad se siente deliberada, como si la negativa a fijar el significado se convierta en el punto. Al igual que la música, como el círculo de tiza, todo permanece en movimiento.
El deseo aquí no está dirigido a la posesión. No se trata de conseguir sino de llegar; sobre el espacio entre los cuerpos y la carga que lo pasa a través de él. Se siente más que satisfecho, suspendido en lugar de resolverse. Los artistas, los cuerpos se extendieron hasta sus límites, nunca parecen descansar. Se reflejan y se exageran, a veces juguetonamente, a veces como si intentaran convertirse en el uno al otro. Parecen incapaces de dar o recibir lo que se quiere, pero a través de esta intensa interacción, algo pasa entre ellos, un gesto, un fragmento, un destello de reconocimiento.
En este contexto, el cuerpo se convierte en un sitio de proyección y resistencia. Está fetichizado, colapsado y expandido. Cualquier historia que pueda estar presente no termina cuando la actuación lo hace. Se persigue en el cuerpo, en la memoria, en el acto de mirar. Harrell no ofrece conclusión, solo una invitación para seguir visitando, una y otra vez, para otra pieza fragmentada del todo.
Para la Parte II de esta revisión, vaya aquí.
Unnur Hlíf Rúnsdóttir es un estudiante de maestría en dramaturgia internacional en la Universidad de Amsterdam.
Los estudiantes de los estudios internacionales de dramaturgia y teatro de la Universidad de Amsterdam visitaron el Festival de Holanda y ensayaron diferentes formas de reflexionar sobre lo que experimentaron allí. El experimento explícito fue desarrollado y supervisado en colaboración entre el coordinador de Ricarda Franzen y el Departamento de Educación del Festival de Holanda, representado por Flora Dekkers. La cuestión de qué formas de “devolver” y la reflexión entre la academia y las prácticas de trabajo posibles como dramaturgs podrían ser adecuados para las actuaciones correspondientes fue el punto de partida de una trayectoria que abarca el Festival de Holanda. Los estudiantes eligieron cada dos actuaciones a las que asistieron, todas las cuales innovadoras de sus formas únicas: el estadounidense Trajal Harrell ofreció un formato de asistir a “trabajo en progreso”, los experimentos laborales de Michel van der Aa con IA y ópera de manera novedosa y Carolina Bianchi ya ganaron varios premios con su segunda parte con su parte de su parte. Fraternidad de su trilogía sobre femicidio, violación y violencia.
Esta revisión fue publicada por primera vez por el Festival de Holanda, reembolsada con permiso.
La versión completa del artículo “Bienvenido al Asbesto Hall”. Revisar. Parte I. Holanda Festival 2025. Está disponible en Theatre Times.
