Mi visita cuidadosamente planificada al Festival de Teatro Dublín 2024 comenzó y terminó en eventos inesperados. El día de la llegada, diez minutos después de salir del hotel, estaba envuelto por multitudes de personas que agitaban banderas irlandesas y gritaban: “¿De qué calles? ¡Nuestras calles! ”. Esta marcha antiinmigrante de los nacionalistas irlandeses llenó la calle O’Connell, deteniendo el tráfico para hacer espacio para los discursos y el canto. En la noche antes de mi partida, la entrada al Teatro Gate fue prácticamente bloqueada por lo que parecía un desfile interminable de personas que encantaban “desde el río hasta el mar, Palestina será libre”. Mi aventura en el festival fue enmarcada con significados políticos que hicieron que el trabajo teatral no fuera muy actual.
Tradicionalmente, el programa del festival 2024 combinó espectáculos que ofrecen lo que era una cobertura integral de todos los gustos y agendas estéticas. Decidí seguir nombres y etiquetas establecidos en la sección irlandesa del programa, considerando que su posición artística reconocida produciría un esquema representativo de lo que está sucediendo hoy en el teatro del país.
El amplio esquema de la selección del festival anunciado en la nota del programa de Willie White, el director artístico saliente, tocó la base con todos los rincones del mundo teatral. La filosofía que puede ser resumida por el dictamen “Damos a todos algo que les gusta” significaba el trabajo irlandés junto a las producciones internacionales; Nuevas obras de escritores debut mezclados con un drama más antiguo de las manos experimentadas; Danza y actuación física por grupos experimentales entrelazados con producciones de Worddy de teatros institucionales; Drama político e histórico complementado con espectáculos para niños y adultos jóvenes (temporada familiar). ¿Hasta qué punto esta combinación de gustos forma una propuesta atractiva para la sociedad irlandesa contemporánea que, como enseña mi conocimiento de la calle, no les gustan los inmigrantes y aman a los palestinos? ¿Puede el teatro explicar la lógica de esta inclusión exclusiva?
La reconciliación fue definitivamente un espíritu dominante de El acuerdo del Teatro Lyric, Belfast. La obra más reciente de Owen McCafferty reconstruyó los últimos días y horas de las negociaciones del acuerdo del Viernes Santo, con todos los jugadores clave que produjeron el célebre documento. Su coreografía recreó brillantemente Discord gradualmente a la armonía al organizar escritorios y sillas de oficina móviles que primero orbitó en círculos caóticos y desconectados solo para formar tablas de negociación ordenadas hacia el final del espectáculo. En la ráfaga de documentos oficiales y entre llamadas telefónicas enojadas, las vistas radicales de Gerry Adams, Bertie Ahern o David Trimble se suavizaron gradualmente. El fanatismo intransigente se presentó como destructivo, a veces también ridículo. Claramente, el camino hacia la paz condujo a través de las figuras políticas que estaban listas para alejar de sus puntos de vista arraigados. Esta producción muy entretenida y definitivamente estimulante analizó el enigma político de Irlanda del Norte con una pizca de sátira histórica. Aunque su mensaje positivo de desescalación suena muy atractivo hoy, el problema es en qué medida su espíritu relajado y de vodevil podría extenderse para abordar las partes en guerra inmersas en conflictos mortales en Israel, Ucrania o incluso los Estados Unidos.
Sin embargo, uno necesita dárselo a McCafferty, El acuerdo Parecía ser la única producción en la pista del festival que abordaba remotamente los dilemas de la política relativamente contemporánea. Esto definitivamente no se puede declarar sobre dos producciones de las obras de Brian Friel. Mi impresión general después de ver una serie de obras canónicas del autor de Feith Healer En las etapas de Londres o Dublín es que si bien hay un excedente de talento de actuación para llevar a los personajes de Friel a profundidades fascinantes, la escasez general de ideas para inventar nuevos espectáculos creativos y diseños de set convierte la mayoría de las noches teatrales en eventos que se parecen extrañamente entre sí. Con Bailando en Lughnasa En el Gate Theatre, que no estaba oficialmente en el programa, sino que se estrenó aproximadamente en la época del festival, el escenario y los disfraces recrearon el espíritu familiar del tiempo histórico, con diminutos detalles reflejados a través de accesorios realistas.
También estaba lleno de nostalgia surrealista producida por el camino sin fin, serpenteando en el horizonte del escenario y por las paredes inexistentes detrás de los armarios y mesas de un esqueleto de la cocina de la cabaña. Me parece que es realmente difícil hacer que los diálogos de Friel suenen naturales contra el paisaje que no debe mucho a los hechos.
Sin embargo, la producción ganó profundidad psicológica gracias a la actuación calificada que cambió a veces diálogos muy predicables en la comunicación basada en la emoción. Para la escena de la danza salvaje, el elenco femenino alcanzó un nivel de expresión auténtico, atavista e inmersivo que realmente escapó de la descripción. La relación de las hermanas con el tío Jack, así como los encuentros de Chris con Garry, sonaba muy cariñosa y natural.
La presentación del festival de Molly Sweeney Desde Townhall Theatre en Galway ofreció una actuación brillante yked a la tarea de conducir un espectáculo completamente convencional. Con tres sillas y un escenario vacío, la obra de monólogo de Friel presentó lo que es en su estructura más mínima: las cabezas parlantes suspendidas en cuerpos inestrados e ineficientes. La niebla brumosa bombeada por los actores envueltos de hielo seco que se detuvieron inmóviles después de cada parte que entregaron. Los artistas, que se dirigen a la audiencia o a sus compañeros hibernados, solo hicieron movimientos limitados entre el arco de proscenio y su estación de asiento designada. Sin embargo, si el concepto para la producción hubiera sido un poco más desafiante y vívidos recuerdos llenos de interacción humana tan hábilmente encapsulada por Friel en sus monólogos podrían haberse promulgado en el escenario, convirtiendo a los oradores solitarios en comentaristas comprometidos de una conmoción emocionante de la vida diaria. Eso habría liberado aún más de la energía de actuación obvia que claramente exudaba de los tres artistas cuyas representaciones psicológicas de los narradores de la obra expusieron grandes cantidades de verdad emocional y profundidad psicológica. Los personajes dinámicos e internos complejos contrastaron con sus marcos corporales estáticos, y la verbosidad del texto estaba pesando mucho sobre la sensibilidad que tan obsesivamente, pero oblicuamente, trataron de confesar a la audiencia. Estos personajes se movían y, sin embargo, permanecían inmóviles.
(Fin de la Parte I)
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Esta publicación fue escrita por Michał Lachman.
Las opiniones expresadas aquí pertenecen al autor y no reflejan necesariamente nuestras opiniones y opiniones.
La versión completa del artículo 2024 Dublin Theatre Festival – Informe subjetivo (Parte I) está disponible en Theatre Times.
